México, DF.- Anoche, 10 de Noviembre del año en curso, se llevó a cabo la inauguración de la exposición Sueños de la Inmortalidad. Tarjetas de visita y retratos el siglo XIX en el Museo Nacional de San Carlos.
La exposición, que estará disponible al público desde hoy 11 de noviembre de 2015 al 27 de marzo de 2016 en el marco del festival Foto México.
Las más de 100 piezas en exhibición son parte de la colección Ricardo B. Salinas Pliego, quien estuvo presente durante la inauguración de la exposición y Fomento Cultural Grupo Salinas. Dichas piezas piezas provienen de distintos estudios fotográficos como Cruces y Campa, Valleto y Cía y la galería fotográfica Gabriel Benitez.
Forman parte de la exhibición tmbién, obras de Eugenio Landesio, Pelegrín Clavé y Juan Cordero del acervo del Museo Nacional de San Carlos y 18 objetos mobiliario sombrillas, anteojos, abanicos y catalejos pretencientes al del Museo Nacional de Historia Castillo de Chapultepec.
Otro dato interesante de «Sueños de Inmortalidad» es que con el fín de generar una experiencia lúdica que permita al público acercarse a los temas planteados en la muestra desde diversos ángulos, se contará con una serie de plataformas interactivas: una línea del tiempo que presentará un panorama histórico de la época, visores con imágenes de detalles de las obras expuestas para reflexionar sobre los estilos imperantes en el siglo XIX. Un libro interactivo con información acerca de la importancia del coleccionismo y, por último un espejo que permitirá a los espectadores tomarse sus propias fotos al estilo de las tarjetas de visita.
Como complemento, el espacio de inersión ofrecerá un área de creción risas, análisis y juego dirigido al público de todas las edades. Ahí se recreará un estudio fotográfico de finales del siglo XIX para que, a partir de su propia experiencia los visitantes experimenten y descubran los pasos más importantes para la toma de una fotografía de esa época: vestuario, escenografía y pose.
Asímismo podrán participar en un taller para reflexionar acerca de las dedicatorias de las tarjetas de visita y crear las propias.
De nuevo, sueños de inmortalidad. Tarjetas de visita y retratos del siglo XIX estará abierta al público hasta el 27 de marzo de 2016 y se inserta enn el proyecto Foto México que promueve el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes junto con el Centro de la Imagen.
No es una película muy rimbombante pero tiene lo suyo, Mia Madre tiene muchas verdades de la vida que no llegamos a ver hasta que no pasamos por el doloroso momento como es en este caso, de ver a nuestra madre comenzar ese desliz que ningún médico puede detener. En otras palabras, el principio del fin. Dirigida por Nanni Moreti (The son’s room,Palma de Oro 2001) Mia Mama se estrena en México como parte de la 59 Muestra de cine.
Margherita (Margherita Buy) es una famosa directora de cine que pasa por muchas crisis: crisis profesional, crisis familiar, crisis emocional y por consecuencia crisis personal.
La historia comienza con una la filmación de su película. Durante la filmación vemos que Margherita se da tiempo para ir al hospital a ver a su madre Ada (Giulia Lazzarini). Ahí la doctora le informa a ella y su hermano Giovanni (Nanni Moretti, así es el director también actúa en la película) que su corazón está muy deteriorado, y el cuerpo de su madre ya no da para más. Es un camino sin retorno.
Margherita comienza a tener recuerdos de los primeros momentos de este desliz que todos los ancianos presentar. El deterioro físico que cada día es más evidente, así como su comportamiento a veces cruel hacia su madre. Sin duda los remordimientos la invaden, así como la tristeza y el miedo a la inminente muerte. En el lado personal, acaba de terminar su relación de pareja, pero lo que más le desespera es el actor que acaba de llegar a trabajar en su película Barry Huggins (John Turturro) Un actor que no recuerda sus líneas, ni ensaya, ni puede dar una linea sin cometer un error de lenguaje o pronunciación. Por lo que hace del rodaje una experiencia frustrante para Margherita.
Mia Mama es de estilo realista, las tomas son siempre a una distancia focal estándart, recreando la vista humana. La puesta en escena es sobria y el desarrollo de la historia es del punto de vista de Margherita. Inclusive los flashbacks y sueños tienen las mismas características, nada formalista. La misma protagonista exige este realismo en sus escenas, cuando discute con su maquillista, acerca de la apariencia de las trabajadoras de la fábrica, las cuales están perfectamente maquilladas, uñas pintadas, y muy bien peinadas. El maquillista alega que así se ven hoy las mujeres de una fábrica. Margherita refuta su teoría alegando que así es cómo él las ve, pero que no es como ella las ve para su película.
Poco a poco la percepción de ella misma, su visión personal y su visión profesional va cambiando a medida que su madre va perdiendo su salud. Hasta que llega el momento que acepta que su mundo se ha derrumbado y el concepto que ella tenía de la vida ha cambiado.
«Carneros» (junto con «Mustang»), es una de las imperdibles de la 59 Muestra de Cine en la Cineteca Nacional. Dirigida por Grímur Hákonarson, Carneros o su título original «Hrütar» es la apuesta de Islandia por los óscares para el 2016. La película estrenó y ganó el premio en Cannes 2015 en la sección»Un Certain Regard» sección que se inaugura en 1978 para películas atrevidas e inovadoras. El premio consiste en una ayuda de 30,000 euros que se debe utilizar para su distribución en Francia. Un Certain Regard corre paralela a la competencia por la Palma de Oro en Cannes.
Dirigida por el escritor/director islandés Grimur Hákonarson quien proviene de la vena de los documentales, Carneros trata sobre dos hermanos Gummi (Sigurdur Sigurjonsson) y Kiddi (Theodor Juliusson) que no se hablan desde hace 40 años. Las razones no las sabemos, ni nos explican nunca por qué? solo en ocasiones escuchamos decir a Gummi que nadie lo ha aguantado. Ambos se dedican a la crianza de corderos como casi todos los pastores de la zona. Durante la tradicional compentencia anual de corderos, Gummi se da cuenta que algo anda mal con ell carnero de su hermano, asi que a escondidas lo checa y se da cuenta que tiene una enfermedad altamente contagiosa. Es serio porque puede afectar el cierre y sacrifio no sólo de su granja sino de las demás. Ante esta amenaza los hermanos tienen que hacer a un lado sus diferencias para salvar la estirpe de sus carneros.
La historia la vemos desde el punto de vista de Gummi, quien es un dulce anciano que quiere con todo el corazón a sus animales, mientras que Kiddi representa la otra cara de la moneda: el viejito cascarrabias y borrachín que se la pasa culpando a su hermano de todas sus calamidades. Una historia muy humana donde vemos que el director deshecha todos los detalles superficiales que le pudo haber dado un tono melodramático y hollywodense a la historia y prefiere darnos una historia mucho más minimalista donde el mood y el ambiente consige reflejar muy bien los shenanigans de ambos personajes. Mientras Kiddi trata de arreglar todo con bravetas y alcohol, Gummi trabaja sigilosamente tras bambalinas escondiendo 8 ovejas en el sótano de su casa. También vemos situaciones muy cómicas de cómo es esta relación de hermanos en un mundo bastante diferente al nuestro: en un campo rural de Islandia, con parajes despejados en Otoño y cubiertos por la nieve del invierno. Es aquí que me detengo a hablar de la cinematografía. Carneros tiene un look muy europeo, esos tonos de colores medio deslavados entre amarillentos y/o verdosos, junto con tomas muy estáticas dándole un look muy elegante. Su Director de fotografía es Sturla Brandth Grøvlen, mejor conocido por ser el cinematógrafo de la película alemana aclamada por la crítica internacional Victoria (2015) misma que fue filmada en una sola toma.
Para Carneros, Brandth Grøvlen utiliza tomas más abiertas, favoreciendo los paisajes pastoriles islandeses, ya que incidentalmente vemos qué tan importante es para los lugareños la cría de carneros. La sentencia de muerte a éstos, es también una sentencia de muerte para ellos, ya que su economía personal y familiar se basa única y exclusivamente en éste tipo de vida. Para Gummi y Kiddi presenta una tragedia mayor, la raza que ellos crían ha pasado de generación en generación y es por eso que ambos deciden romper el silencio, para salvar algo que es parte de ellos, de su familia por generaciones, del lugar; y harán todo lo humanamente posible para salvarlas.
Spoiler Alert. Continúa leyendo si ya viste la película o si no la has visto y no quieres saber este es el momento de parar y regresar cuando la hayas visto. Si no te importa, sigue leyendo.
Es también por esto, que al final, vemos una conclusión con final abierto. Vemos cómo Gummi y Kiddi deciden llevarse a esconder los carneros a las montañas cuando un empleado de las autoridades descubre las 8 ovejas de Gummi, quien sale corriendo a pedir ayuda a su testarudo hermano. Inmediatamente olvidan todas sus diferencias del pasado, como todos los que tenemos hermanos sabemos hacer. E inmediatamente deciden huir hasta con el perro a esconder las ovejas y carneros en lo alto de la montaña. Sin embargo una fuerte tormenta de nieve los hace perderse a todos: los carneros, los hermanos y hasta el perro! No sabemos cuanto tiempo pasa pero Gummi se ha perdido y Nikki lo encuentra al borde del congelamiento, inmediatamente hace lo que cualquier persona que ha vivido en la nieve y en el medio de la nada sabe hacer: enterrarse en la nieve (para mayores referencias ver Nanook of the North (1922), excelente documental sobre una tribu nómada inuit y todo un ensayo sobre la nieve y la supervivencia) es también sentido común que para calentar un cuerpo la mejor manera es sin ropa. Así vemos cómo Kiddi a pesar de todo tiene un profundo amor por su hermano. A tal punto que se pone a lamentar la tragedia en un acto de desesperación e impotencia por rescatarlo de la hipotermia. Fue una gran idea cortar la película ahí justo en ese momento. Dejando al espectador que concluyera la película a su imaginación.
Para mi conclusión, es mejor dejarla así que hacer una secuencia de la muerte de ambos, para los negativos que piensan que ambos mueren. Sin embargo, para el auditorio optimista, la esperanza está ahí pues los mismos oficiales tienen la idea de buscar las ovejas en las montañas, es obvio que se darán cuenta que los hermanos están en la nieve y en peligro. Por las ovejas ni me preocupo, con ese pelaje tan grueso, el calor grupal y una cueva que se les atraviese, seguro libran esa tormenta. Inclusive Gummi y Kiddi están mas o menos a salvo en ese Iglú improvisado.
El hecho de dejar el final abierto es brillante, ya que la audiencia construye su propio desenlace y lo hace pensar en la historia. Un gran acierto por parte de Grímur Hákonarson.
Estrenada en Mayo en Cannes 2015, Mustang es una película que ha recorrido muchos festivales de cine con bastante éxito y que ahora se estrena en la Cinética Nacional como parte de la 59 Muestra de Cine. Dirigida por Deniz Gamze Ergüven, la historia gira en torno a 5 hermanas huérfanas que viven con su abuela y su tío Erol en un pueblito de Turquía. Mustang es una película de Coming of Age es decir llegar a la edad adulta, la pérdida de la inocencia. En ratos me recuerda a The Virgin Suicides pero de una forma menos idílica y más cruda. Mustang es vista y contada desde el punto de vista de Lale (Gunes Nezihe Sensoy), quien siendo la más chica es a la vez la más revoltosa e ingeniosa de las cinco hermanas.
Es el final de un ciclo escolar y el principio del verano. Después del último día de clases los alumnos se dedican a disfrutarlo. Las cinco hermanas y unos cuantos amigos se van a la playa a festejar, dos de ellas juegan guerras montadas en los hombros de sus compañeros. Nunca pensaron que unos simples juegos en la playa iba a provocar todo un escándalo entre las señoras del pueblo. Al llegar a la casa, la abuela y su tío Erol se ha enterado de todo y las reprimen dándoles una golpiza. Las hermanas ni siquiera saben lo que está sucediendo ni por qué tanto escándalo, hasta que su abuela les informa que su vecina las vio en hombros de unos muchachos restregando sus partes íntimas en la nuca de los muchachos. Aunque se defienden no hay nada que hacer, es hora de buscarles marido ya que las mayores ya están en «edad casadera». Pronto sus jeans y ropas occidentales de colores alegres son cambiadas por los vestidos café más a la usanza de su religión y costumbres, mientras que las puertas son reforzadas con portales de fierro. Las mayores Sonay (Ilayda Akdogan) y Selma (Tugba Sunguroglu) comienzan el proceso de buscar pretendientes y pronto la casa está llena de tías que les enseñan el arte de cocinar, coser y limpiar. poco a poco como menciona Lela, la casa se va transformando en una fábrica de esposas y las hermanas van perdiendo su libertad a tal punto que les es arrebatado todo contacto con el exterior como lo son teléfonos, computadoras etc. Así de una manera cotidiana vamos viendo la transformación de su vida antes llena de libertad a un encierro carcelario lo cual queda muy bien plasmado en Mustang. Lela siendo la más pequeña y a la vez la más rebelde es quien logra robar ciertos momentos para vivir un poco de la libertad que antes gozaban como el escape a un partido de futbol orquestado por ella. Pero por cada paso que dan a esta libertad, hay más consecuencias apabullantes.
México, DF.- El pasado 3 de noviembre FLICC y La Universidad de la Comunicación tuvieron como invitado al escritor Guillermo Arriaga (Amores Perros, 21 Gramos, Babel) quien dio una plática sobre el guión cinematográfico. Parte del evento es debido a que la U. de la Comunicación presentó su nueva maestría en Escritura Cinematográfica, dirigida por Paula Markovitch directora de la película «El Premio».
Todo esto en el marco del FLICC (Foro Latinomericano de Producción Audiovisual), que se llevó a cabo del 3 al 6 de noviembre.
Izq a Der: Paula Markovitch, Guillermo Arriaga, Adriana Jimenez.
La plática de Guillermo Arriaga fue muy amena, explicando un poco de su personal journey en el quehacer del escribir para cine y novelas. Contó cómo fue que surgió su vocación de escritor y cómo se fue desarrollando su talento por la escritura. Según Arriaga, hay dos maneras de venderse en la industria cinematográfica: por encargo o como autor. El primero un poco más comercial como su nombre lo indica, viendo qué es lo que el cliente quiere vender y/o decir en la historia; mientras que la segunda es simplemente escribir la historia que deseas contar. A su vez, Arriaga señalo que los escritores tienen dos maneras de contar estas historias: ya sea contando vivencias personales o escribir historias derivadas de otras novelas ya escritas, como es el caso de Borges que sus historias son siempre resultado de una mezcla de su imaginación, talento y siempre basado en otras obras literarias.
Arriaga también habló sobre su antigua desavenencia con Iñárritu que como muchos ya sabemos, derivó de aquel exabrupto de Iñárritu cuando afirma que «Babel» fue la última película de su trilogía sin embargo, el guión fue escrito por Guillermo Arriaga, lo cual hecha por tierra sus palabras ya que sólo hablamos de cine de autor cuando el director es el mismo que escribe el guión.
Haciendo a un lado el incidente, Arriaga cuenta cómo es que mucho de «Amores Perros» es parte de sus vivencias de juventud que usó para el guión. Un tip de escritura muy útil que dio es cuando cuenta cómo él no sabe nada sobre pastores de ovejas de Marruecos pero sí sabe cómo trabajan los pastores de ovejas mexicanos. En pocas palabras, hay valores universales y ciertos oficios o experiencias con un valor universal que todos podemos relacionar, lo cual ayuda a la hora de buscar recursos narrativos al momento de escribir un guión o una novela.
Guillermo Arriaga fue a la plática acompañado de su hija Mariana Arriaga quien acaba de presentar su primer cortometraje en el Festival de cine de Venecia y el Festival de Morelia.
De izq. a Der: Izrael Moreno, Luis Mandoki, Paula Marcovitch, Guillermo Arriaga, Mariana Arriaga, Salvador Corrales Ayala.
Terminada la conferencia hubo una sesión con los medios y fue entonces que llegó a la sala de prensa otro gran director mexicano: Luis Mandoki.
Revista Angel 55 