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Buscando a Ingmar Bergman

Reseña por Lucía Santiago Dantés

Duración 99 mins.
año:2018

Documental dirigido por la directora alemana Margarethe von Trotta, quien hace una pequeña semblanza del director sueco Ingmar Bergman. Es imperdible para los cinéticos y quien gusta del buen cine o las películas de Bergman.

Von Trotta hace una semblanza del director a través de entrevistas y el propio descubrimiento de las películas de Ingmar Bergman cuando al inicio nos cuenta cómo fue que sus amigos la arrastraron al cine a ver “El séptimo sello” mientras vivía en París.  También logra reunir un pequeño ensamble de amigos y familiares donde cada quien aporta algo para conocer al director personalmente y también sobre su estilo, entre ellos Liv Ullmann, Olivier Assayas, Carlos Saura, Jean-Claude Carriere, Rita Russek, Julia Dufvenius y Gaby Dohm. Donde cada quien aporta un poco para dar una semblanza general. Inclusive el documental muestra a Bergman ensayando y en una conferencia de prensa en 1976, así como una entrevista con su hijo Daniel Bergman.

Katinka Farago recuerda el consejo que le dieron antes de su primera entrevista para trabajar con el director: “si se te queda viendo, tu lo ves también, si te escupe, lo escupes” trabajaron juntos por 30 años. El documental está poblado con  anécdotas como ésta.

Otra anécdota muy interesante es que el director gustaba de ver su película favorita “The Phanton Carriage”(1921) al menos una vez al año.

El estreno del documental es precisamente cuando se marcan los 100 años del nacimiento de Ingmar Bergman.

Es un documental muy tradicional pero vale la pena verlo ya que también aporta datos importantes sobre su estilo. En especial llama mucho la atención las reflexiones de Bergman en su película “La hora del Lobo” donde habla sobre esas horas de la noche donde nacen más niños, muere más gente y si estás despierto es la hora en que más miedo te da.

“Sólo trato de hablar la verdad sobre la condición humana”
Ingmar Bergman

Buscando a Bergman o  Vermächtnis eines Jahrhundertgenies (El legado de un genio del siglo) se presenta como parte de la 65 Muestra de cine tanto en la Cineteca Nacional como en el circuito de cines que la exhiben.

Los Angeles visten de blanco ( Jia nian hua )

Duración 1 hr. 47 minutos

Crítica  por Lucia Santiago Dantés

El segundo largometraje escrito y dirigido por Vivian Qu “Jia nian hua” en su idioma original, trata sobre dos niñas que son atacadas y abusadas sexualmente por un hombre. Qu no analiza tanto el hecho sino las consecuencias desde varios puntos de vista, pero principalmente la chica que trabaja en el hotel llamada Mia (Vicky Chen) y Wen (Meijun Zhou)

La historia comienza cuando Mía está de guardia cubriendo la recepción y seguridad del hotel, esa noche están en el hotel hospedadas dos niñas de doce años sin supervisión adulta: Wen y Xin (Xinyue Jiang) conforme el tiempo pasa las niñas comienzan una pequeña fiesta en su habitación hasta que un hombre llega, forza su entrada y se mete al cuarto. Mía logra grabar en su teléfono todo lo que pasó y se queda callada por miedo a perder su trabajo, ya que ni siquiera tiene identificación.

Mientras tanto las niñas al día siguiente se sienten muy mal en la escuela, es ahí donde se dan cuenta que han sido violadas y es cuando explota el escándalo en la ciudad.  Pronto la noticia no sólo es parte de una investigación sino las consecuencias sociales y psicológicas de las niñas se ve comprometida ante el hecho tan grave. Inmediatamente la mamá de Wen le hecha la culpa primero al papá de las niñas alegando que vendió la virginidad de sus hijas a su jefe, mientras que también culpa a la menor por su manera de vestir “provocativa” para una niña de su edad. Wen por su parte se ve tan presionada por su propia madre que decide salirse de su casa.

Por su parte Mia y su compañera de trabajo Lily (Jing Peng) son reprimidas y amenazadas por el dueño del hotel quien corre el riesgo de ser clausurado a causa de la violación de las niñas. Lily tiene amigos de dudosa reputación por decir lo menos, entre ellos Jean (Yuexin Wang) y Mia necesita al menos tener una identificación por lo que Jean le dice que si quiere una tendrá que pagar mucho dinero, además le sugiere que extorsione a los involucrados en el caso ya que la información es poder.

La historia cada vez se va complicando más, hasta revelarnos la verdad de por qué Mía no tiene identificación y también el desenlace de la historia es como muchas veces sucede aquí en México y el resto del mundo.

Una historia que te tocará por lo triste y complicado de la situación tan complicada que viven menores y tal vez podamos entender por qué muchos deciden irse de su casa y a veces ni siquiera ellos deciden sino son abandonados.

Los ángeles visten de blanco ha circulado en 32 festivales de cine y ganado 19 premios.

La Casa de Jack ( The House that Jack Built )

Crítica por Lucía Santiago Dantés

Llega a la 65 Muestra de cine de la Cineteca Nacional la más reciente película de Lars Von Trier, uno de los directores más controversiales, venerado por unos y detestado por otros, sin incluir su exabrupto en el 2011 que le costó ser considerado persona non grata en el Festival de Cannes al declarar en conferencia de prensa que “entendía a Hitler” y describirse a sí mismo como Nazi. Es obvio que el castigo fue perdonado al estrenar este año The House that Jack built en Cannes fuera de competencia.

 

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La casa de Jack sigue la historia de un asesino serial llamado  Jack (Matt Dillon) quien es un ingeniero pero además psicópata (las características  de un psicópata por lo general son tener un marcado comportamiento antisocial, una empatía y remordimientos reducidos, y un carácter desinhibido) que cuenta su historia desde el primer incidente y cómo cada vez fue refinando “el arte de matar” hasta llegar a convertir cada asesinato en una obra “maestra” según su punto de vista .

Con respecto a la película y por qué es tan bueno e incomprendido es un enigma para mí ya que su uso de símbolos y lenguaje cinematográfico es totalmente magistral, no por algo es uno de los mejores y más odiados si no puedes interpretar los símbolos que maneja. Tal vez para ello voy a explicar un poco su uso de símbolos y lenguaje cinematográfico.

La película comienza todo en negro y Jack comienza a platicar con un personaje que se introduce como simplemente Verge (interpretado por el magnífico actor suizo  Bruno Ganz quien alcanzó reconocimiento internacional gracias a su actuación en una película de Win Wenders  Der Himmel Über Berlin (Las alas del deseo). La oscuridad representa la muerte y Verge  es el diminutivo de Virgilio.  Durante su camino a lo que sería el infierno, Jack cuenta la historia de sus asesinatos de una manera casual sin remordimientos casi como si se tratara de algo cotidiano.  Así vemos que el primer acto es su primer incidente es  cuando una mujer le pide ayuda y por la manera en que se comporta incita a Jack a cometer su primer asesinato, también explica cómo se salió con la suya sin que la policia lo descubriera. El papel es interpretado por Uma Thurman.

Los siguientes asesinatos ya son cada vez más planeados. Uno podría pensar que es misógino y de alguna manera es verdad pero cuando vemos flashbacks de su niñez nos podemos dar cuenta de la magnitud de su psicopatía al cortarle las extremidades a un patito a manera de entretenimiento. La película toma un giro más oscuro conforme va cometiendo más crímenes ya que comienza a tomar fotos de sus crímenes, al principio como premio, después hasta hace posar a los cadáveres en formas bizarras y grotescas.

Verge mientras platica con él le pregunta sobre esa casa que siempre quizo construir, mientras que Jack le explica que nunca pudo lograr una casa como él la quería. Es tal vez por eso que construye una casa tan grotesca y no diré más.

Lars Von Trier sin duda analiza el lado oscuro de nuestra naturaleza humana desde el punto de vista de un psicópata para hacernos entender lo que sería de nuestra humanidad sin las leyes actuales que detienen este tipo de actos tan abominables. De no tener estas leyes la gente no se detendría en hacer este tipo de crímenes. Basta ver las noticias en México donde la justicia a mano propia y los linchamientos donde  prenderle fuego a una persona para quemarlo vivo es ya un hecho. Otro acto muy común en México son los feminicidios, no es acaso un ejemplo de la maldad que llevamos dentro todo esto que Lars Von Trier analiza en un películas? por supuesto que sí. El artista es aquél que su sensibilidad hace percibir lo que está pasando con la humanidad en su tiempo y nos lo refleja a través de su arte, en este caso el cine. Es por esto que Lars Von Trier incluye escenas de sus películas donde también analiza este lado oscuro del ser humano donde la violencia y la falta de esperanza están  siendo analizadas por el director.

Poster de La Casa de Jack donde nos refiere de manera más obvia la inspiración de la Divina Comedia, basada en la famosa pintura de Eugène Delacroix donde Jack (Matt Dillon) posa como Dante y Verge como Virgilio (Bruno Ganz)

Otro dato importante que quiero añadir es que Lars Von Trier utiliza la cámara de una manera muy sobria y estática al principio, conforme avanza la película la cámara se vuelve más violenta y la edición también, todo esto para enfatizar este sentimiento de repulsión del espectador. Si tienes esa sensación de nausea y mareo ya avanzada la película durante la función es intencional.

Los montajes temáticos de Lars Von Trier son además de divertidos son una curiosidad en el lenguaje cinematográfico de hoy en día.

La casa de Jack es distribuida por Cinemex y todavía no hay fecha de estreno, así que si puedes consulta los horarios y días de función de la película en la Cineteca Nacional o espera a que llegue la Muestra de Cine a tu ciudad.

Nación Asesina

Por Lucía Santiago Dantés

La propuesta de Sam Levinson a través de su última película Assasination Nation  es una de las reflexiones más fuertes sobre el efecto de las redes sociales, hackeo, invasión de privacidad sobre una sociedad contemporánea demasiado conservadora.   Es decir puedes ser de ideología feminista, humanista o vanguardista pero si el status quo aún vive 4, 6  o 10 siglos atrás, la tecnología puede destruir la vida de muchas personas con la consecuencia del caos que provoca esta libertad.

La historia gira alrededor de cuatro chicas que viven en el pueblo de Salem, sí el mismo donde varios siglos atrás se persiguieron y quemaron brujas. Es obvio por qué el director/escritor Levinson decide que todo ocurra en en el infame pueblo donde mujeres fueron colgadas acusadas de ser brujas, ya que  es una analogía de cómo son perseguidas  por ser acusadas de un hackeo que no cometieron.  Assasination Nation tiene mucho que ver con la histeria colectiva que también se vivió durante el proceso de las brujas de Salem.

Nación asesina como se le conoce en español comienza con el hackeo y posterior publicación del Alcalde de Salem, quien siempre estuvo en contra de la comunidad LGBT y al publicarse fotos de él vestido de mujer en un cuarto de hotel con otros hombres, el oprobio general hace que se suicide frente a una  rabiosa multitud.

El siguiente hackeo es al director de la escuela quien no se suicida pero es presionado a renunciar de su puesto cuando se publican fotos donde la opinión pública ve un supuesto abuso a su propia hija.

Pronto el caos tomará forma cuando más videos y fotos comienzan a subirse de chicas y chicos, traiciones y amoríos. Esto hace que el grupo de machos alfa de la escuela tomen cartas en el asunto junto con un policía  bastante misógino y retrógrada.

Cuando Lily, Bex, Sarah y Em son acusadas por otro estudiante de ser las autoras del hackeo masivo al pueblo de Salem, éstas tendrán que asumir toda la actitud más agresiva para poder sobrevivir una noche de linchamiento muy al estilo de La Purga.

Hay varias tomas que valen la pena ver y revisar si eres un cinéfilo de corazón. Sin duda una película que no puedes dejar de ver.

Actúan como protagonistas Odessa Young como Lily, Suki Waterhouse como Sarah, Abra como Em y la actriz y modelo transgénero Hari Nef como Bex, quien realiza un excelente trabajo en Nación Asesina.

Upgrade

Reseña Lucía Santiago Dantés.

La gran mayoría ha comparado  a UPGRADE con Robocop,  sin embargo esta película de ciencia ficción representa un gran homenaje a grandes del género de ciencia ficción y horror, pues no solamente tiene referencias  Robocop  como superficialmente  lo declara la prensa mexicana sino también con 2001 Odisea del espacio y The Matrix.

En un no tan lejano futuro, Grey Trace (Logan Marshall-Green) es un mecánico que gusta de lo clásico y no tiene mucha apreciación a la cibernética,  vive con su esposa Asta (Melanie Vallejo) mientras él repara carros antiguos para clientes. Grey acaba de terminar de arreglar uno antiguo y le pide a su esposa que lo acompañe a entregar el auto para poder regresar en el cibernético carro de su esposa. Al entregarlo conocemos a su cliente Eron Keen (Harrison Gilbertson) dueño de la compañía Vessel e un gran innovador en el campo de la tecnología cibernética, quien les muestra un nuevo chip llamado STEM capaz de lograr un avance en la humanidad nunca antes visto. Al regreso  Grey y su esposa tienen un accidente donde son brutalmente atacados por unos desconocidos. Ash muere y él queda paralizado del cuello para abajo.  Grey accede a probar con STEM  que le hará volver a caminar, pero justo cuando piensa que la vida le ha dado una segunda oportunidad, su sed de venganza contra los autores de su “supuesto” accidente lo hace descubrir un submundo lleno de intrigas, también se da cuenta que el chip que tiene en el cerebro es una especie de computadora que puede hablar con él y ayudarlo a realizar tareas mientras él le de autorización. La película tiene una gran coreografía de persecuciones, peleas y movimientos de cámara que hacen la historia más emocionante y ágil.

De aquí en adelante hay una serie de spoilers así que sigue bajo tu propio riesgo. 

La historia se parece a Robocop en el sentido que un ser humano ayudado por tecnología futurista quiere saciar su sed de venganza contra la gente que le ha hecho un mal, sin embargo tiene influencias kubrickianas porque STEM es muy parecido a HAL 9000 la computadora de la nave que 2001 Odisea del espacio. Ambos tienen consciencia propia y manipulativa. La tercera influencia es de The Matrix (y aquí si viene un gran spoiler si no la han visto) ya que este STEM hackea el cerebro de Grey y le hace vivir el resto de su vida en una realidad virtual proyectada en su cerebro justo como vive toda la humanidad en la gran MATRIX  ya que STEM finalmente a tomado completamente su cuerpo y su consciencia. Un final simplemente brillante ¡Vaya punchline! El guión y la dirección son de Leigh Whannell mejor conocido por SAW, Insidious y Dead Silence. 

Apóyate en mí. ( Lean on Pete )

Reseña por Lucía Santiago Dantés

Si tu piensas que ésta es una historia del amor que tiene un niño por su caballo, estás muy equivocado. Apóyate en mí es una excelente película sobre  un chico llamado Charley (Charlie Plummer) quien vive  con su padre Ray (Travis Fimmel) casi abandonado a su suerte y sin dinero, esto se refleja en la falta de cuidado que le tiene su padre (Steve Zahn) para proveer comida y un hogar adecuado para Charley. Sin embargo, son familia y se quieren.  Apóyate en mí o Lean on Pete representa la historia de muchos niños y adolescentes que viven este tipo de marginalidad en EU, se podría decir que es la otra cara de la moneda del sueño americano que cada día está más extinto. La decadencia se palpa en cada una de las escenas.

Por casualidad Charley comienza a trabajar como peón en el hipódromo que está cerca de su casa. Su jefe es  Del  (Steve Buscemi) un hombre que se dedica al negocio de las carreras de caballos. Charley comienza a ganarse un lugar en este mundo de las carreras de caballos, aunque un tanto duro, pero le da para elevar un poco su calidad de vida y aprender. Del por su parte ha visto días mejores con sus caballos de carreras ya solamente  le quedan 6 y no le ha ido muy bien por algún tiempo. Su carrera casi está llegando a su fín.  Charley por su parte apenas está comenzando a conocer todo sobre el circuito a través de la jockey Bonnie (Chloë Sevigny).

Los problemas en su casa le hacen refugiarse en este mundo y  le toma mucho cariño a un caballo llamado “Lean on Pete”. Una tragedia le hace huir del inminente destino que le espera a él y  al caballo para buscar una vida mejor, para ello tiene que emprender una odisea donde se enfrentará a muchas dificultades y situaciones muy difíciles para un muchacho de su edad.

En su odisea, Charley  vive situaciones crueles, tristes pero al mismo tiempo vemos a un joven aunque frágil, lleno de determinación. Es una triste historia del coming of age (carácterística muy particular de este tipo de películas). Lean on Pete es una reflexión sobre la vida misma y la manera en que un ser humano aunque joven y sin experiencia, tiene que hacer hasta lo imposible por salvarse a sí mismo y tener un futuro mejor.

Apóyate en mí se estrena el  vierenes 24 de agosto.

En Tránsito ( Transit )

Por Lucía Santiago Dantés.

En un presente distópico, el régimen nazi apenas está comenzando y es por eso que Georg (Franz Rogowski) apenas alcanzó a escapar de Alemania. Ahora en Francia, Georg tiene que apurarse a salir de Europa ya que la ocupación nazi le viene pisando los talones. Al llegar a Marsella se encuentra sin dinero y sin contactos para poder salir del país. Ahí es donde decide impersonar la identidad de un amigo escritor que ha muerto,  sin embargo no es tan fácil ya que no sólo los nazis lo siguen. Hay una mujer llamada Marie (Paula Beer) que busca a su marido desesperadamente y se topa muy seguido con  Georg. La casualidad le ha jugado una mala pasada: Marie es la esposa del escritor, a quien busca después de haberlo dejado.

Una reflexión que habla sobre este miedo colectivo que actualmente tenemos a esta ideología que ha vuelto a predominar en países de primer mundo, tal vez a consecuencia de la actual administración en los EU,  Brexit y las migraciones a nivel mundial que han despertado sentimientos de ultra derecha.

Dirigida por Christian Petzold, el guión está vagamente basado en la novela homónima de Anna Seghers. Petzold afirma que este es el último capítulo de su trilogía llamada “Amor en los tiempos de Sistemas Opresivos”. Anteriormente el director filmó Bárbara (2012 y Phoenix (2014). En Tránsito estrenó en el prestigiado Festival Internacional de cine de Berlín donde compitió por el Oso de Oro,

En Tránsito aunque es una película bien hecha, tiene sus puntos débiles, y es precisamente este sentido de modernidad que no lo es tanto su punto más débil,  ya que a pesar de reinventar una odisea del pasado en el presente, no está hecha totalmente en el presente. El tiempo no es muy claro en la historia. La película  te deja rascando la cabeza preguntándote en qué tiempo se supone que están y eso distrae. Es un presente muy ochentero a lo sumo, ya que no existen ni celulares, ni computadoras ni nada que parezca moderno. ¿Es acaso intencional el hecho de anclar  la película a un tiempo indeterminado? En Tránsito se salva por sus buenas actuaciones y ese punchline al final que realmente le da un buen especial.

En Tránsito se presenta en la 17 semana de cine alemán.

 

Siempre te esperaré (submergence)

Duración 112 mins.

Un amor más profundo que el mar.

Por Lucía Santiago Dantés

Hoy se estrena la más reciente película de Win Wenders en cineplexes de México titulada en español Siempre te esperaré, en inglés Submergence. Una historia muy del estilo del director alemán que nos ha traído grandes películas como Las Alas del Deseo(1987), Paris Texas(1984) y Tan Lejos, Tan Cerca!(1993) (que vendría siendo la segunda parte de Alas del Deseo) En todas estas historias, Wenders analiza una historia de amor muy profundo, tanto así que en Las Alas del Deseo vemos a un ángel que se vuelve humano por el amor que siente hacia una mujer (si la historia les parece familiar es porque EU hizo su versión hollywoodense y palomitera)

Se dice que el estilo de un director se reconoce porque es como si siempre estuvieran haciendo la misma película y es precisamente lo que sucede en Siempre te esperaré, donde Wenders explora otra vez el tema de un amor que comienza con atracción animal, magnetismo, hasta llegar a ser una pareja en unión más espiritual y solidificada como raras veces se da actualmente.

James More (James McAvoy) es un espía británico que ha sido capturado por un grupo de  salafistas yihadistas en Somalia. Durante su cautiverio James reflexiona sobre la relación y lo que siente por Danielle Flinders (Alicia Vikander) o Danny, recordando todo el proceso de cómo se conocieron, el cortejo y cómo comenzaron una relación, ante los tratos del grupo terrorista y su inminente muerte se da cuenta que el amor que siente por Danny es más profundo de lo que se imaginaba. Muy al estilo de sus películas anteriores.

Mientras tanto en el otro lado del mundo, Danny también siente la necesidad de hacer un recuento de su relación, ya que su trabajo la ha llevado al mar de Groenlandia donde tiene que recoger unas muestras en lo más profundo del mar para probar su hipótesis sobre la teoría de la vida. Ella también enfrenta a un stress tremendo ante las nulas noticias de James y la posibilidad de morir ya que si algo pasa a su submarino moriría asfixiada en el fondo del mar al no haber otro submarino igual para rescatarlos y la falta de tiempo.

La película está basada en el libro homónimo escrito por J. M. Ledgard y la adaptación a guión estuvo a cargo de Erin Dignam.

Una película muy al estilo Wenders donde analiza lo que es una atracción, el proceso de enamorarse y sobretodo darse cuenta que esa persona es algo más signficativo en tu vida de lo que creías.

Distribuída en México por Gussi Cinemas, Siempre te esperaré se estrena hoy 2 de agosto en salas de Cinemex y Cinépolis.

Chavela Vargas

Reseña por Lucía  Santiago Dantés.

Duración 90 mins.
Estreno 3 de agosto 2018
Año 2017

Documental que aunque ya ha circulado en varios festivales  e inclusive en AMBULANTE, es hasta ahora que llega a los cineplexes de México gracias a  la distribuidora Cine Caníbal.  Y la verdad qué buen documental! Cargada de añoranzas y nostalgia por el pasado, Chavela Vargas (1919-2012) nos cuenta su vida, sus triunfos y sus fracasos; Su ratos dulces y amargos a través de entrevistas de archivo, fotos y entrevistas donde figuran la participación de su gran fan, amigo y mecenas Pedro Almodóvar, así como Miguel Bosé.

Dirigido por Catherine Gund y  Daresha Kyi, el documental nos da una una fiel reconstrucción de su historia desde sus inicios hasta sus últimos días tomando en cuenta no sólo sus memorias sino también de anécdotas de la gente que la conoció y vivió con ella.  Desde su llegada a México, las noches bohemias en los cabarets y bares, así como las parrandas que se echaba con Jose Alfredo Jiménez, Diego Rivera, Frida Kahlo, etc. Igualmente interesante es ver cómo Chavela, luchó contra su alcoholismo, su recuperación y su segundo aire en España. 

Pedro Almodóvar juega un papel muy importante en su vida, ya que gracias a él su música estuvo presente en sus películas, y la ayudaron a recuperar el mainstream en el que estaba antes que su alcoholismo destruyera su carrera. Mientras que Elena Benarroch (también de la época de la movida madrileña) nos relata sus impresiones en el tiempo que estuvo en España la cantante. 

El tono íntimo de las entrevistas junto con el material fotográfico te da una buena idea de quien fue Chavela Vargas lo cual para todos aquéllos que no tuvieron la oportunidad de conocerla es una gran oportunidad de conocer lo intenso del gran personaje que fue Chavela Vargas.

 

La noche devoró al mundo.

Reseña Lucía Santiago Dantés

Justo cuando ya se antojaba ver una buena película de zombies,  Cine Canibal estrena este fin de semana  “La noche devoró al mundo” película francesa (aunque hablada en inglés) sobre el apocalipsis zombie. Ahora con una nueva locación en Paris, Francia.

La premisa es bastante simple pero para los fans del género esto no será la razón para dejarla de ver. La historia comienza con una fiesta a que nuestro protagonista Sam (Anders Danielsen Lie) asiste a regañadientes.  La fiesta es en casa de Fanny (Sigrid Bouaziz) su ex novia, quien lo “obliga” a ir a la fiesta con el pretexto que en su casa están las cosas de Sam que le tiene que entregar. Sam no sabía que había fiesta y ésta lo obliga a quedarse excusándose que disfrute la fiesta y que más tarde le entregará sus cosas. Fanny por supuesto está manipulándolo para restregarle en cara su nuevo novio y la gran vida que lleva ahora y es cuando como espectador te das cuenta por qué las cosas no funcionaron. Hay gente que simplemente no está abierta al dialogo ni la compresión, sino que manipula. Así nuestro protagonista se desespera y pide sus cosas. Fanny le dice que están en un cuarto al final del pasillo de su departamento. Sam tras varios desagradables tropiezos llega al pasillo donde se queda dormido sin saber que el apocalipsis zombie ha barrido no sólo con la fiesta sino con todo Paris (al menos) De aquí en adelante es una historia como todas las de zombies de supervivencia, aunque “La noche devoró al mundo¨se centra más en la manera en que Sam vive durante tanto tiempo en un edificio para él sólo.

La película fue filmada en una sola locación y aunque no hay mucha fricción o lucha ya sea interna o externa, te logra mantener interesado  en Sam y su manera de vivir durante tantos meses sin compañía de nadie más que un zombie atrapado en un elevador, si te parece familiar su cara, tienes razón no es otro más que el mismísimo Denis Lavant mejor conocido por su trabajo en Tokyo! y Holy Motors.  Mientras que Anders Danielsen Lie y Sigrid Bouaziz ambos actores trabajaron juntos anteriormente en la película Personal Shopper protagonizada por Kristen Steward.

Dirigida por  Dominique Rocher, La noche devoró al mundo es una película aceptable para aquellos que tienen nostalgia por el género. Sin duda tiene sus momentos, y un buen reparto.