Archivo de la categoría: Exposiciones

Duchamp & Koons en el Museo Jumex

Si no tienes planes para este verano o si ya los tienes, tal vez sea buena idea incluir el Museo Jumex. Te pasamos el dato para que  este verano incluyas en tu itinerario la exposición de Duchamp y  Koons que organizó el Museo Jumex “Apariencia Desnuda: El deseo y el objeto en la obra de Marcel Duchamp y Jeff Koons aun“. Del 19 de Mayo al 29 de Septiembre del 2019.

Apariencia Desnuda incluye las obras más representativas de ambos, incluyendo el famoso urinal de Duchamp o el conejo de Jeff Koons, quien estuvo en México para el montaje y su inauguración.

La exposición incluye las 80 obras, provenientes de más de 30 colecciones de Europa y América.  Incluye entre otras piezas, la legendaria serie de ready-mades de Duchamp de su edición de 1964 Bicycle Wheel (Rueda de Bicicleta), Bottle Rack (Portabotellas) y Fountain (Fuente).  De Jeff Koons se exhiben Rabbit (Conejo) Ballon Dog (Perro globo) Moon (Luna) Play-Doh entre otras.

El Museo Jumex es la única sede de esta exposición así que es una buena idea incluir una visita al museo durante el verano y casi obligatoria para los entusiastas del arte moderno.

El Museo abre sus puertas de Martes a Domingo de 10am a 7pm y la entrada general es de 50 pesos, público nacional 30 pesos y los domingos la entrada es libre.

Si planeas tu visita con anticipación te sugerimos ir cuando hay visitas guiadas gratuitas, éstas son de martes a domingo a las 11am, 12pm, 1pm 2pm y 4pm. Dirigidas a todo público, con registro previo en taquilla. El cupo es limitado.

Los boletos se pueden comprar en línea a través de boletia.com enlace https://boletia.com/cp/museo-jumex

Tip: Los fines de semana la fila de visitantes es muy grande, así que te recordamos llegar con mucha anticipación para que disfrutes mejor tu visita al museo.  Si deseas tener acceso inmediato, también existe la opción por 200 pesos.  Si deseas un acceso inmediato más visita guiada puedes hacerlo de martes a domingo a las 5 y 6 pm por 250 pesos.

 

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la exposición “Andy Warhol Estrella Oscura” llegará al museo Jumex!

FINALIZADA

Por fin se han confirmado los rumores y los detalles de la exposición de Andy Warhol titulada “Andy Warhol Estrella Oscura“en el museo Jumex. De acuerdo con el comunicado de prensa del museo, la exhibición se presentará de el 2 de junio al 17 de septiembre del 2017.

La muestra incluye sus famosas pinturas de productos de consumo, series serigráficas de retratos de estrellas de cine, personajes famosos y desastres.

El curador invitado Douglas que se hizo especial énfasis en el contexto histórico en el que Andy Warhol realizó sus primeros trabajos, como  las promesas utópicas, el lado oscuro de la cultura mediática y de consumo de la posguerra.

Julieta González, directora artística del Museo Jumex, comenta: “En una época en que los principios mismos que sostienen la democracia en los Estados Unidos parecen estar bajo amenaza a raíz de los resultados de las últimas elecciones presidenciales, la temática que subyace a la exposición Andy Warhol. Estrella oscura resulta extraordinariamente oportuna”.

Fogle explica que desde la década de los sesenta, Warhol fue de los primeros artistas pop en observar “el vínculo entre el estrellato y los oscuros impulsos caníbales de la incipiente cultura mediática”. En el fondo de las repeticiones en serie de los productos y los personajes utilizados por Warhol, “hay un reconocimiento de una cultura en la que la adoración se traduce en una especie de consumo. Devoramos y descartamos a los íconos que amamos a través de un ambiente mediático”.

Añade: “para Warhol cualquier retrato de la experiencia estadounidense estaba incompleto si no se examinaba su lado oscuro. […] el mismo Warhol parecería haber nacido bajo una estrella oscura. En sus pinturas se inscriben augurios del futuro destino del artista a manos de la fascinación de los medios por la fama y la tragedia”.

Andy Warhol. Estrella oscura se presentará en todas las salas del Museo Jumex.

CATÁLOGO
El catálogo de la exposición Andy Warhol. Estrella oscura incluirá diversos ensayos comisionados especialmente para la publicación, como la revisión que hace Douglas Fogle sobre la promesa utópica y el lado oscuro del “siglo americano” – término acuñado por Henry Luce – en la obra temprana de Warhol, la exploración de Geoff Dyer de la idea del “desastre” y el análisis de Kenneth Brummel sobre el problema de “Elvis”. Julieta González analiza la relación entre el “siglo americano” de Luce y la obra de Warhol desde la perspectiva de América Latina. Otra característica única del catálogo será la inclusión de una amplia variedad de reediciones de textos históricos importantes pero poco conocidos, como el ensayo “Andy y Andy, los gemelos Warhol: Tema y variaciones” de Stuart Morgan, publicado originalmente en la edición número 12 de la revista Parkett, en 1987.

Además, el catálogo incorpora la voz de artistas cuya obra, de alguna u otra manera, se ha visto influida por Warhol. Esto incluye reediciones de ensayos como “Desprecio y adoración” de Barbara Kruger, publicado en Village Voice el 5 de mayo de 1987; y “Guns and Poses” de Richard Prince, además de textos nuevos escritos por artistas como Kara Walker, Abraham Cruzvillegas y Kerry James Marshall.

Este catálogo es una coedición entre DelMonico Books-Prestel y el Museo Jumex.

Que visitar en Zona Maco 2017

como cada año Zona Maco nos trae lo mejor en galerías y diseño en la séptima edición. Este año Zona Maco Diseño y ZonaMaco México Arte contemporáneo tiene muchas cosas interesantes no sólo para el coleccionista sino para también para el visitante una gran cantidad de piezas muy interesantes. He aquí algunas de las que más nos llamaron la atención.

Smith-Davidson Gallery

Especializada en lo mejor del arte moderno y contemporáneo, la galería SmithDavidson exhibe en Zona Maco piezas de Andy Warhol, Jeff Koons y Keith Haring y Robert Indiana entre los más conocidos y sólo por mencionar algunos. Sinceramente vale la pena ir a visitar Maco aunque sólo sea para admirar estas piezas.

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Hope, Robert Indiana Galería Smith-Davidson.
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Pyramids, Keith Haring.
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Baloon Venus Jeff Koons
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Andy Warhol, Marilyn.

Gary Nader Art Centre

Especializada en arte contemporáneo y Latinoamericano, la galería muestra en Zona Maco obras de Fernando Botero y Leonora Carrington.

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Galeria GE

La Galería GE de Monterrey exhibe unas piezas muy interesantes así como obra de Ray Smith.

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Estas son sólo algunas galerías que nos llamaron la atención, sin embargo Zona Maco tiene mucho que ofrecer tanto al coleccionista como al visitante.

Stanley Kubrick La Exposición

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Después de dos largos años de espera desde que estuvo en el museo MARCO de Monterrey, por fin llega a la Ciudad de México la exposición de Stanley Kubrick. Su sede no es en ningún museo sino en la nueva galería de la Cineteca Nacional. La muestra sin duda, apela a la mercadotecnia de la nostalgia. Que qué me parece a mí?  Pues tiene sus puntos interesantes sobre todo por los batallones de kubrickmaniáticos que asistirán a la Expo, por ejemplo todos los props y partes de los sets de sus películas más recocidas y admiradas como 2001 A Space Odyssey(1968) o The Shining(1980). De la primera tenemos el traje espacial, el bebé espacial del final, la botarga de los eslabones perdidos y varias cosas más. Por cierto, la Expo abarca los 4 pisos de la galería de la cineteca y cuesta 65 pesos la entrada y 45 con descuento. Es la primera vez que la galería de la cineteca cobra la entrada pero hay que entender que es un paquete creado de esta manera desde su inicio.

En el primer piso están las secciones que pertenecen a las primeras obras de Kubrick, quien fue fotógrafo y comenzó haciendo cortometrajes. Después su primer largo metraje y de ahí sube uno hasta el cuarto piso donde se encuentra su primer sección/película Spartacus, bajando a Lolita, seguida por 2001 A Space Oddysey, seguida por Dr. Strangelove y terminando en el primer piso de nuevo con A clockwork Orange, The Shining, Full Metal Jacket(1987) Barry Lyndon(1975) sin olvidar su última película con Tom Cruise y Nicole Kidman Eyes Wide Shut (1999). A la salida unos cuantos proyectos que ya no pudo realizar como A.I. Quien terminaría haciéndola Steven Spielberg, Napoleón y  las cuales nunca llegaron a realizarse.

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Prop original de 2001 A Space Odyssey (1968)
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Vestuario original de las gemelas de The Shining(1980)

 

Tanto 2001 A Space Oddysey como The Shining junto con A clockwork Orange son por las razones que vale la pena la exposición. El precio es razonable y por las horas que pasa uno adentro y la cantidad de material por ver bien vale la pena pasar una mañana o tarde en el lugar. La muestra estará hasta mayo pero es conveniente no esperar hasta el último momento. Serán los mejores 65 o 45 pesos mejor gastados. Por cierto, para comprar boleto de entrada con descuento sólo lo aplican en taquilla y no en el website.

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Mannequís originales de A Clockwork Orange (1971)

Informes

Stanley Kubrick: La exposición

Duración: 1 de diciembre de 2016 a 29 de mayo de 2017

Sede: La Galería de la Cineteca Nacional

Precio: $65 general y $45 estudiantes, menores de 25 años y tercera edad. Para satisfacer apropiadamente la demanda de entradas tanto en internet como en taquilla, están a la venta 150 boletos por hora (100 disponibles en internet y 50 en taquilla).

Horarios: Martes a domingo de 12:00 a 21:00 horas (último acceso a las 20:00 horas).
Lunes, cerrado. 24, 25 y 31 de diciembre, cerrado.

Dirección: Cineteca Nacional. Av. México Coyoacán #389, Col. Xoco, Del. Benito Juárez.
Tel. 4155 1200.

Graciela Iturbide, Avándaro. En el Museo del Chopo

 

José Luis Paredes Pacho, Graciela Iturbide. Museo Universitario del Chopo
José Luis Paredes Pacho, Graciela Iturbide. Museo Universitario del Chopo

 

 

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El Museo Universitario del Chopo celebra 45 años de contracultura  con una muestra retrospectiva de los primeros ensayos  fotográficos que Graciela Iturbide hiciera sobre lo que fuera el Festival Rock y Ruedas en Avándaro, el 11 y 12 de septiembre de 1971. Después de cuatro décadas y media el Museo del Chopo como se le llama comúnmente, ubicado en la calle Doctor Enrique González Martínez 10, de la colonia Sta. María la Ribera albergará por primera vez de manera museográfica una serie de 56 fotografías de Graciela Iturbide así como videos y documentos acerca de Avándaro como ahora simplemente se le recuerda.

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El Festival Rock y Ruedas de Avándaro tiene un contexto social muy importante para esta generación de jóvenes: habían pasado dos años de la represión a los movimientos estudiantiles del 2 de octubre de 1968 y la matanza de jueves del Corpus o el halconazo ocurrido el 10 de junio de 1971.  Por estas fechas había surgido una contracultura juvenil que se expresaba intensamente en diversos ámbitos, particularmente los grupos de rock, los cuales ya no se conformaban con cantar covers y se arriesgaban a componer su propia música, aunque frecuentemente cantada en inglés. En Avándaro se reflejaron muchos procesos culturales, algunos contradictorios. El evento superó las expectativas de los organizadores en todos los aspectos.

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La fotógrafa Graciela Iturbide frente a una de sus obras, durante su paseo en la inauguración de Avándaro en el Museo Universitario del Chopo.

El curador de la exposición Avándaro Álvaro Vázquez Mantecón, explica que Iturbide retrató la perplejidad de una sociedad que se reconocía por primera vez  fuera de los márgenes culturales del nacionalismo, o de una recatada modernidad diseñada por las élites culturales… La artista consolidó las bases de una práctica fotográfica que mantuvo a lo largo de su carrera artística: “observó, con la mezcla necesaria de curiosidad, cercanía distante y poética visual, a una juventud que no se parecía en nada a las generaciones precedentes; por primera vez globalizada y afín a las preocupaciones de los jóvenes de otras latitudes, en busca de un éxtasis liberador… En esta serie de imágenes está el origen de una peculiar manera de fotografiar, que surge mediante el diálogo con los personajes y la conciencia compartida entre fotógrafo y retratado, pero que erradica, esencialmente, en la decisión Iturbide de captar las tensiones y contradicciones de una sociedad cambiante”.

Como parte de la muestra hay un video con entrevista a Graciela Iturbide y un pequeño reportaje de Avándaro. Vale la pena sentarse a verlo.
Como parte de la muestra hay un video con entrevista a Graciela Iturbide y un pequeño reportaje de Avándaro. Vale la pena sentarse a verlo.

Graciela Iturbide apenas iniciaba su trayectoria como fotógrafa en 1971, en ese momento también estudiaba cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC)  de la Universidad Nacional Autónoma de México. Junto con los cineastas Luis Carrión y Jorge Fons registró este festival que los organizadores anunciaban como el evento de rock más importante hasta entonces. Las fotografías obtenida por Iturbide integraron el libro Avándaro (Editorial Diógenes, 1971) el primer libro que consignó el trabajo de la artista y que contaba con texto de Luis Carrión.

A la izquierda el curador de la exposición Álvaro Vázquez Mantecón, Derecha: Graciela Iturbide. Museo Universitario del Chopo.
A la izquierda el curador de la exposición Álvaro Vázquez Mantecón, Derecha: Graciela Iturbide. Museo Universitario del Chopo.

Durante la inauguración se dejó volcar un mundo de gente, pues contaron con la presencia de Graciela Iturbide, quien dió un paseo por toda el área al mismo tiempo que era rodeada de admiradores de su obra, gente de prensa, del museo y allegados. Sin duda fue una noche muy especial para todos, y logró atraer a mucha gente inclusive a algunos que aseguran haber estado en el famoso festival de Avándaro, los cuales fueron entrevistados por los medios para que compartieran sus recuerdos.

Asistente a Avándaro comparte recuerdos con la prensa.
Asistente a Avándaro comparte recuerdos con la prensa.

Una de las exposiciones imperdibles para tu próxima visita en #CDMX

 

Costos:
Galerías:$30.00 general, $15.00
estudiantes con credencial vigente e INAPAM
Miércoles entrada libre
Cinematógrafo:$40.00 general, $20.00 estudiantes con credencial vigente e INAPAM

El París de Touluse Lautrec

El París de Toulouse Lautrec en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

Del 11 de Agosto – a – 27 de noviembre.
Salas Justino Fernández y Paul Westheim (Primer Piso)

El París de Toulouse Lautrec. Impresos y carteles del Moma. Exposición itinerante que consta de más de cien obras pertenecientes a la colección del Museo de Arte Cotemporáneo (MoMA) llega al Museo del Palacio de Bellas Artes. La exhibición se encuentra en las salas Justino Fernández y Paul Westheim (en el primer piso).

Llena de litografías originales así como dibujos y grabados que lo hicieron famoso, El París de Toulouse Lautrec es una de las exhibiciones más completas que podrás ver sobre el famoso artista en México. Una exhibición imperdible para todos aquellos que gustan de las obras de Lautrec, así como para artistas visuales y diseñadores gráficos.

La exposición está dividida en 6 nucleos que comprenden:
1.Vida y Litografía. Contextualiza mediante fotos y carteles, los lugares donde Toulouse Lautrec se desarrolló como impresor. Su tránsito por Montmartre, barrio de la periferia de París en el que solían refugiarse criminales, prostitutas, artistas y bohemios. En esta sección resalta su producción Aristide Bruant en su Cabaret (1893).
2. El Café concert. Un recuento en sus imágenes de sus visitas nocturnas a los teatros, circos, óperas y café-concerts. Al dar fama a estos lugares y sus artistas por medio de sus carteles, también le permitió a Lautrec por consiguiente tener un mayor éxito. En esta sección podrás observar: Moulin Rouge, La Goulue (1891) cartel que detonó a la fama al cabaret, así como La Payasa en el Moulin Rouge (1897)

La Payasa en el Moulin Rouge Tolouse Lautrec Museum of Modern Art, New York.
La Payasa en el Moulin Rouge
Tolouse Lautrec
Museum of Modern Art, New York.

3. En el escenario. Recuento de las visiones que tuvo el artista por sus personajes dentro y fuera del espectáculo. Sobresalen sus grabados en madera japonesa del siglo XVIII, de ahí su adopción por adopción de paletas de colores secundarios, diagonales, aglutinadas, espacios aplanados y líneas simples características del ukiyo-e, así coo su firma realizada con estilo japonés. En esta sección podrás ver: Mademoiselle Marcelle Lender de pie (1895), Jane Avril (1899) y Divan Japonais (1893).

Jane Avril 1893, Toulouse Lautrec
Jane Avril 1893, Toulouse Lautrec

4. Femmes, Fills et Elles. Retratos de empleadas, cortesanas, artistas y hasta prostitutas a las que pagaba para que modelaran para él. Destacan de esta sección: Confetti (1894), Mujer en la tina (1896) y piezas correspondientes al portafolio Elles.
5. Los placeres de París. Piezas que Toulouse Lautrec hizo con temática fuera de la vida parisina, amigos o musas como Reina de la Alegría (1892), Irish American Bar, Rue Royale (1895) y litografías de caballos.
6. Círculos creativos. Resalta las relaciones de Lautrec con autores, editores, compositores y dramaturgos, quienes le encargaron la promoción de su obra, ilustró partituras musicales, colaboró para la prensa popular y diseñó los programas para varias compañías de teatro. La Revue Blanche (1895), Napoleón (1895), y la ilustración para la portada de la revista Babilonia alemana de Victor Joze (1894) son algunas de las obras de la última sección.

Juan Soriano en el MAM

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Del 9 de abril al 31 de julio de 2016

Ella pasado 9 de abril se inauguró la exposición retrospectiva de Juan Soriano en el Museo de Arte Moderno. Organizada por la Secretaría de Cultura a través del MAM y Curada por Octavio Avendaño, la exposición titulada “Juan Soriano. 1920-2006” está compuesta por 46 obras en las que se incluyen óleos, acuarelas, tintas, tapices, cerámicas y bronces, así como documentos y correspondencia personal. La retrospectiva tiene como propósito conmemorar el aniversario luctuoso del artista.

 

Juan Soriano semblanza*.
La Victoriosa, Juan Soriano
La Victoriosa, Juan Soriano. 1988 Tapiz, lana e hilo metálico

Juan Soriano (Guadalajara, 1920-Ciudad de México, 2006) fue un artista que sometió la figura a una jubilosa experimentación a lo largo de su carrera. Fue sobre todo en el retrato y en las escenas alegóricas donde transitó de un estilo realista de cierta chispa surrealista, hacia una regocijada abstracción que a partir de la década de 1950 disgregó las formas e hizo explotar el color en una paleta abigarrada y luminosa.

No es casual que encontrara mayor cercanía afectiva y de ideas entre las mujeres de su época. La amistad que sostuvo con María Izquierdo y Lola Álvarez Bravo —quienes lo descubrieron en su primera exposición en el Museo Regional de Guadalajara en 1934— lo animó a trasladarse a la capital del país, donde el aprendizaje transitaba del taller a los cafés y las tertulias, en complicidad con el grupo de intelectuales conocidos hoy como los Contemporáneos.

Soriano abrazó a la modernidad desde la tradición, como lo detalla el primer núcleo de la exposición Juan Soriano. 1920-2006, compuesto por obras realizadas entre 1934 y 1946. El artista recurría entonces en sus retratos y autorretratos a formas clásicas dispuestas esquemáticamente y a procederes de la pintura occidental, en especial del Renacimiento italiano, con pormenores de inspiración fantástica o mitológica.

Más tarde, después de haber residido tres años en Roma (1951-53), Soriano incursionó en el diseño de escenografías y vestuarios para el festival Poesía en Voz Alta (1956), donde colaboró con Juan José Arreola y Octavio Paz. Esto le permitió experimentar con el color y la geometría de las formas y distanciarse de manera paulatina de la figuración.

Individualista y mundano a la vez, Juan Soriano nunca perteneció a grupos ni a corrientes artísticas. Fue una rara avis de la plástica mexicana que Carlos Monsiváis describió como alguien que “estaba lleno de ideas confusas y delirantes, y pintaba con ojos turbios y desvelados”, refiriéndose al tono intimista de una obra que suele revelar la libertad creativa, la curiosidad intelectual y la alborozada sensibilidad de su autor.

Naturaleza Muerta con autorretrato, Juan Soriano.  1949 Oleo Sobre Tela.
Naturaleza Muerta con autorretrato, Juan Soriano. 1949
Oleo Sobre Tela.

La muestra Juan Soriano. 1920-2006, presenta en una de sus secciones, un conjunto de obras abstractas realizadas durante los años 1950 y 1960, época en la que Soriano se consolidó como un gran colorista y suscitó así el interés de colegas como Rufino Tamayo. Esta fase de vigorosa experimentación en sus pinturas y esculturas influyó a jóvenes artistas de la Ruptura, entre ellos Rodolfo Nieto y Pedro Coronel, y dejó para la posteridad la serie que Soriano dedicó a Lupe Marín, que metamorfosea a la ex esposa de Diego Rivera en diosa, demonio y arquetipo de todas las mujeres. Así lo resume el documental Juan Soriano (Fecit dixit) (2001) de Arturo Ripstein, que se proyectará en la misma sala de exposición.

Más informes visita la página del museo http://www.museoartemoderno.com

 

*Boletín de Prensa Museo de Arte Moderno.