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Duchamp & Koons en el Museo Jumex

Si no tienes planes para este verano o si ya los tienes, tal vez sea buena idea incluir el Museo Jumex. Te pasamos el dato para que  este verano incluyas en tu itinerario la exposición de Duchamp y  Koons que organizó el Museo Jumex “Apariencia Desnuda: El deseo y el objeto en la obra de Marcel Duchamp y Jeff Koons aun“. Del 19 de Mayo al 29 de Septiembre del 2019.

Apariencia Desnuda incluye las obras más representativas de ambos, incluyendo el famoso urinal de Duchamp o el conejo de Jeff Koons, quien estuvo en México para el montaje y su inauguración.

La exposición incluye las 80 obras, provenientes de más de 30 colecciones de Europa y América.  Incluye entre otras piezas, la legendaria serie de ready-mades de Duchamp de su edición de 1964 Bicycle Wheel (Rueda de Bicicleta), Bottle Rack (Portabotellas) y Fountain (Fuente).  De Jeff Koons se exhiben Rabbit (Conejo) Ballon Dog (Perro globo) Moon (Luna) Play-Doh entre otras.

El Museo Jumex es la única sede de esta exposición así que es una buena idea incluir una visita al museo durante el verano y casi obligatoria para los entusiastas del arte moderno.

El Museo abre sus puertas de Martes a Domingo de 10am a 7pm y la entrada general es de 50 pesos, público nacional 30 pesos y los domingos la entrada es libre.

Si planeas tu visita con anticipación te sugerimos ir cuando hay visitas guiadas gratuitas, éstas son de martes a domingo a las 11am, 12pm, 1pm 2pm y 4pm. Dirigidas a todo público, con registro previo en taquilla. El cupo es limitado.

Los boletos se pueden comprar en línea a través de boletia.com enlace https://boletia.com/cp/museo-jumex

Tip: Los fines de semana la fila de visitantes es muy grande, así que te recordamos llegar con mucha anticipación para que disfrutes mejor tu visita al museo.  Si deseas tener acceso inmediato, también existe la opción por 200 pesos.  Si deseas un acceso inmediato más visita guiada puedes hacerlo de martes a domingo a las 5 y 6 pm por 250 pesos.

 

la exposición “Andy Warhol Estrella Oscura” llegará al museo Jumex!

FINALIZADA

Por fin se han confirmado los rumores y los detalles de la exposición de Andy Warhol titulada “Andy Warhol Estrella Oscura“en el museo Jumex. De acuerdo con el comunicado de prensa del museo, la exhibición se presentará de el 2 de junio al 17 de septiembre del 2017.

La muestra incluye sus famosas pinturas de productos de consumo, series serigráficas de retratos de estrellas de cine, personajes famosos y desastres.

El curador invitado Douglas que se hizo especial énfasis en el contexto histórico en el que Andy Warhol realizó sus primeros trabajos, como  las promesas utópicas, el lado oscuro de la cultura mediática y de consumo de la posguerra.

Julieta González, directora artística del Museo Jumex, comenta: “En una época en que los principios mismos que sostienen la democracia en los Estados Unidos parecen estar bajo amenaza a raíz de los resultados de las últimas elecciones presidenciales, la temática que subyace a la exposición Andy Warhol. Estrella oscura resulta extraordinariamente oportuna”.

Fogle explica que desde la década de los sesenta, Warhol fue de los primeros artistas pop en observar “el vínculo entre el estrellato y los oscuros impulsos caníbales de la incipiente cultura mediática”. En el fondo de las repeticiones en serie de los productos y los personajes utilizados por Warhol, “hay un reconocimiento de una cultura en la que la adoración se traduce en una especie de consumo. Devoramos y descartamos a los íconos que amamos a través de un ambiente mediático”.

Añade: “para Warhol cualquier retrato de la experiencia estadounidense estaba incompleto si no se examinaba su lado oscuro. […] el mismo Warhol parecería haber nacido bajo una estrella oscura. En sus pinturas se inscriben augurios del futuro destino del artista a manos de la fascinación de los medios por la fama y la tragedia”.

Andy Warhol. Estrella oscura se presentará en todas las salas del Museo Jumex.

CATÁLOGO
El catálogo de la exposición Andy Warhol. Estrella oscura incluirá diversos ensayos comisionados especialmente para la publicación, como la revisión que hace Douglas Fogle sobre la promesa utópica y el lado oscuro del “siglo americano” – término acuñado por Henry Luce – en la obra temprana de Warhol, la exploración de Geoff Dyer de la idea del “desastre” y el análisis de Kenneth Brummel sobre el problema de “Elvis”. Julieta González analiza la relación entre el “siglo americano” de Luce y la obra de Warhol desde la perspectiva de América Latina. Otra característica única del catálogo será la inclusión de una amplia variedad de reediciones de textos históricos importantes pero poco conocidos, como el ensayo “Andy y Andy, los gemelos Warhol: Tema y variaciones” de Stuart Morgan, publicado originalmente en la edición número 12 de la revista Parkett, en 1987.

Además, el catálogo incorpora la voz de artistas cuya obra, de alguna u otra manera, se ha visto influida por Warhol. Esto incluye reediciones de ensayos como “Desprecio y adoración” de Barbara Kruger, publicado en Village Voice el 5 de mayo de 1987; y “Guns and Poses” de Richard Prince, además de textos nuevos escritos por artistas como Kara Walker, Abraham Cruzvillegas y Kerry James Marshall.

Este catálogo es una coedición entre DelMonico Books-Prestel y el Museo Jumex.

Que visitar en Zona Maco 2017

como cada año Zona Maco nos trae lo mejor en galerías y diseño en la séptima edición. Este año Zona Maco Diseño y ZonaMaco México Arte contemporáneo tiene muchas cosas interesantes no sólo para el coleccionista sino para también para el visitante una gran cantidad de piezas muy interesantes. He aquí algunas de las que más nos llamaron la atención.

Smith-Davidson Gallery

Especializada en lo mejor del arte moderno y contemporáneo, la galería SmithDavidson exhibe en Zona Maco piezas de Andy Warhol, Jeff Koons y Keith Haring y Robert Indiana entre los más conocidos y sólo por mencionar algunos. Sinceramente vale la pena ir a visitar Maco aunque sólo sea para admirar estas piezas.

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Hope, Robert Indiana Galería Smith-Davidson.
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Pyramids, Keith Haring.
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Baloon Venus Jeff Koons
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Andy Warhol, Marilyn.

Gary Nader Art Centre

Especializada en arte contemporáneo y Latinoamericano, la galería muestra en Zona Maco obras de Fernando Botero y Leonora Carrington.

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Galeria GE

La Galería GE de Monterrey exhibe unas piezas muy interesantes así como obra de Ray Smith.

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Estas son sólo algunas galerías que nos llamaron la atención, sin embargo Zona Maco tiene mucho que ofrecer tanto al coleccionista como al visitante.

Stanley Kubrick La Exposición

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Después de dos largos años de espera desde que estuvo en el museo MARCO de Monterrey, por fin llega a la Ciudad de México la exposición de Stanley Kubrick. Su sede no es en ningún museo sino en la nueva galería de la Cineteca Nacional. La muestra sin duda, apela a la mercadotecnia de la nostalgia. Que qué me parece a mí?  Pues tiene sus puntos interesantes sobre todo por los batallones de kubrickmaniáticos que asistirán a la Expo, por ejemplo todos los props y partes de los sets de sus películas más recocidas y admiradas como 2001 A Space Odyssey(1968) o The Shining(1980). De la primera tenemos el traje espacial, el bebé espacial del final, la botarga de los eslabones perdidos y varias cosas más. Por cierto, la Expo abarca los 4 pisos de la galería de la cineteca y cuesta 65 pesos la entrada y 45 con descuento. Es la primera vez que la galería de la cineteca cobra la entrada pero hay que entender que es un paquete creado de esta manera desde su inicio.

En el primer piso están las secciones que pertenecen a las primeras obras de Kubrick, quien fue fotógrafo y comenzó haciendo cortometrajes. Después su primer largo metraje y de ahí sube uno hasta el cuarto piso donde se encuentra su primer sección/película Spartacus, bajando a Lolita, seguida por 2001 A Space Oddysey, seguida por Dr. Strangelove y terminando en el primer piso de nuevo con A clockwork Orange, The Shining, Full Metal Jacket(1987) Barry Lyndon(1975) sin olvidar su última película con Tom Cruise y Nicole Kidman Eyes Wide Shut (1999). A la salida unos cuantos proyectos que ya no pudo realizar como A.I. Quien terminaría haciéndola Steven Spielberg, Napoleón y  las cuales nunca llegaron a realizarse.

Prop original de 2001 A Space Odyssey
Prop original de 2001 A Space Odyssey (1968)
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Vestuario original de las gemelas de The Shining(1980)

 

Tanto 2001 A Space Oddysey como The Shining junto con A clockwork Orange son por las razones que vale la pena la exposición. El precio es razonable y por las horas que pasa uno adentro y la cantidad de material por ver bien vale la pena pasar una mañana o tarde en el lugar. La muestra estará hasta mayo pero es conveniente no esperar hasta el último momento. Serán los mejores 65 o 45 pesos mejor gastados. Por cierto, para comprar boleto de entrada con descuento sólo lo aplican en taquilla y no en el website.

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Mannequís originales de A Clockwork Orange (1971)

Informes

Stanley Kubrick: La exposición

Duración: 1 de diciembre de 2016 a 29 de mayo de 2017

Sede: La Galería de la Cineteca Nacional

Precio: $65 general y $45 estudiantes, menores de 25 años y tercera edad. Para satisfacer apropiadamente la demanda de entradas tanto en internet como en taquilla, están a la venta 150 boletos por hora (100 disponibles en internet y 50 en taquilla).

Horarios: Martes a domingo de 12:00 a 21:00 horas (último acceso a las 20:00 horas).
Lunes, cerrado. 24, 25 y 31 de diciembre, cerrado.

Dirección: Cineteca Nacional. Av. México Coyoacán #389, Col. Xoco, Del. Benito Juárez.
Tel. 4155 1200.

Graciela Iturbide, Avándaro. En el Museo del Chopo

 

José Luis Paredes Pacho, Graciela Iturbide. Museo Universitario del Chopo
José Luis Paredes Pacho, Graciela Iturbide. Museo Universitario del Chopo

 

 

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El Museo Universitario del Chopo celebra 45 años de contracultura  con una muestra retrospectiva de los primeros ensayos  fotográficos que Graciela Iturbide hiciera sobre lo que fuera el Festival Rock y Ruedas en Avándaro, el 11 y 12 de septiembre de 1971. Después de cuatro décadas y media el Museo del Chopo como se le llama comúnmente, ubicado en la calle Doctor Enrique González Martínez 10, de la colonia Sta. María la Ribera albergará por primera vez de manera museográfica una serie de 56 fotografías de Graciela Iturbide así como videos y documentos acerca de Avándaro como ahora simplemente se le recuerda.

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El Festival Rock y Ruedas de Avándaro tiene un contexto social muy importante para esta generación de jóvenes: habían pasado dos años de la represión a los movimientos estudiantiles del 2 de octubre de 1968 y la matanza de jueves del Corpus o el halconazo ocurrido el 10 de junio de 1971.  Por estas fechas había surgido una contracultura juvenil que se expresaba intensamente en diversos ámbitos, particularmente los grupos de rock, los cuales ya no se conformaban con cantar covers y se arriesgaban a componer su propia música, aunque frecuentemente cantada en inglés. En Avándaro se reflejaron muchos procesos culturales, algunos contradictorios. El evento superó las expectativas de los organizadores en todos los aspectos.

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La fotógrafa Graciela Iturbide frente a una de sus obras, durante su paseo en la inauguración de Avándaro en el Museo Universitario del Chopo.

El curador de la exposición Avándaro Álvaro Vázquez Mantecón, explica que Iturbide retrató la perplejidad de una sociedad que se reconocía por primera vez  fuera de los márgenes culturales del nacionalismo, o de una recatada modernidad diseñada por las élites culturales… La artista consolidó las bases de una práctica fotográfica que mantuvo a lo largo de su carrera artística: “observó, con la mezcla necesaria de curiosidad, cercanía distante y poética visual, a una juventud que no se parecía en nada a las generaciones precedentes; por primera vez globalizada y afín a las preocupaciones de los jóvenes de otras latitudes, en busca de un éxtasis liberador… En esta serie de imágenes está el origen de una peculiar manera de fotografiar, que surge mediante el diálogo con los personajes y la conciencia compartida entre fotógrafo y retratado, pero que erradica, esencialmente, en la decisión Iturbide de captar las tensiones y contradicciones de una sociedad cambiante”.

Como parte de la muestra hay un video con entrevista a Graciela Iturbide y un pequeño reportaje de Avándaro. Vale la pena sentarse a verlo.
Como parte de la muestra hay un video con entrevista a Graciela Iturbide y un pequeño reportaje de Avándaro. Vale la pena sentarse a verlo.

Graciela Iturbide apenas iniciaba su trayectoria como fotógrafa en 1971, en ese momento también estudiaba cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC)  de la Universidad Nacional Autónoma de México. Junto con los cineastas Luis Carrión y Jorge Fons registró este festival que los organizadores anunciaban como el evento de rock más importante hasta entonces. Las fotografías obtenida por Iturbide integraron el libro Avándaro (Editorial Diógenes, 1971) el primer libro que consignó el trabajo de la artista y que contaba con texto de Luis Carrión.

A la izquierda el curador de la exposición Álvaro Vázquez Mantecón, Derecha: Graciela Iturbide. Museo Universitario del Chopo.
A la izquierda el curador de la exposición Álvaro Vázquez Mantecón, Derecha: Graciela Iturbide. Museo Universitario del Chopo.

Durante la inauguración se dejó volcar un mundo de gente, pues contaron con la presencia de Graciela Iturbide, quien dió un paseo por toda el área al mismo tiempo que era rodeada de admiradores de su obra, gente de prensa, del museo y allegados. Sin duda fue una noche muy especial para todos, y logró atraer a mucha gente inclusive a algunos que aseguran haber estado en el famoso festival de Avándaro, los cuales fueron entrevistados por los medios para que compartieran sus recuerdos.

Asistente a Avándaro comparte recuerdos con la prensa.
Asistente a Avándaro comparte recuerdos con la prensa.

Una de las exposiciones imperdibles para tu próxima visita en #CDMX

 

Costos:
Galerías:$30.00 general, $15.00
estudiantes con credencial vigente e INAPAM
Miércoles entrada libre
Cinematógrafo:$40.00 general, $20.00 estudiantes con credencial vigente e INAPAM

El París de Touluse Lautrec

El París de Toulouse Lautrec en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

Del 11 de Agosto – a – 27 de noviembre.
Salas Justino Fernández y Paul Westheim (Primer Piso)

El París de Toulouse Lautrec. Impresos y carteles del Moma. Exposición itinerante que consta de más de cien obras pertenecientes a la colección del Museo de Arte Cotemporáneo (MoMA) llega al Museo del Palacio de Bellas Artes. La exhibición se encuentra en las salas Justino Fernández y Paul Westheim (en el primer piso).

Llena de litografías originales así como dibujos y grabados que lo hicieron famoso, El París de Toulouse Lautrec es una de las exhibiciones más completas que podrás ver sobre el famoso artista en México. Una exhibición imperdible para todos aquellos que gustan de las obras de Lautrec, así como para artistas visuales y diseñadores gráficos.

La exposición está dividida en 6 nucleos que comprenden:
1.Vida y Litografía. Contextualiza mediante fotos y carteles, los lugares donde Toulouse Lautrec se desarrolló como impresor. Su tránsito por Montmartre, barrio de la periferia de París en el que solían refugiarse criminales, prostitutas, artistas y bohemios. En esta sección resalta su producción Aristide Bruant en su Cabaret (1893).
2. El Café concert. Un recuento en sus imágenes de sus visitas nocturnas a los teatros, circos, óperas y café-concerts. Al dar fama a estos lugares y sus artistas por medio de sus carteles, también le permitió a Lautrec por consiguiente tener un mayor éxito. En esta sección podrás observar: Moulin Rouge, La Goulue (1891) cartel que detonó a la fama al cabaret, así como La Payasa en el Moulin Rouge (1897)

La Payasa en el Moulin Rouge Tolouse Lautrec Museum of Modern Art, New York.
La Payasa en el Moulin Rouge
Tolouse Lautrec
Museum of Modern Art, New York.

3. En el escenario. Recuento de las visiones que tuvo el artista por sus personajes dentro y fuera del espectáculo. Sobresalen sus grabados en madera japonesa del siglo XVIII, de ahí su adopción por adopción de paletas de colores secundarios, diagonales, aglutinadas, espacios aplanados y líneas simples características del ukiyo-e, así coo su firma realizada con estilo japonés. En esta sección podrás ver: Mademoiselle Marcelle Lender de pie (1895), Jane Avril (1899) y Divan Japonais (1893).

Jane Avril 1893, Toulouse Lautrec
Jane Avril 1893, Toulouse Lautrec

4. Femmes, Fills et Elles. Retratos de empleadas, cortesanas, artistas y hasta prostitutas a las que pagaba para que modelaran para él. Destacan de esta sección: Confetti (1894), Mujer en la tina (1896) y piezas correspondientes al portafolio Elles.
5. Los placeres de París. Piezas que Toulouse Lautrec hizo con temática fuera de la vida parisina, amigos o musas como Reina de la Alegría (1892), Irish American Bar, Rue Royale (1895) y litografías de caballos.
6. Círculos creativos. Resalta las relaciones de Lautrec con autores, editores, compositores y dramaturgos, quienes le encargaron la promoción de su obra, ilustró partituras musicales, colaboró para la prensa popular y diseñó los programas para varias compañías de teatro. La Revue Blanche (1895), Napoleón (1895), y la ilustración para la portada de la revista Babilonia alemana de Victor Joze (1894) son algunas de las obras de la última sección.

Juan Soriano en el MAM

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Del 9 de abril al 31 de julio de 2016

Ella pasado 9 de abril se inauguró la exposición retrospectiva de Juan Soriano en el Museo de Arte Moderno. Organizada por la Secretaría de Cultura a través del MAM y Curada por Octavio Avendaño, la exposición titulada “Juan Soriano. 1920-2006” está compuesta por 46 obras en las que se incluyen óleos, acuarelas, tintas, tapices, cerámicas y bronces, así como documentos y correspondencia personal. La retrospectiva tiene como propósito conmemorar el aniversario luctuoso del artista.

 

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La Victoriosa, Juan Soriano
La Victoriosa, Juan Soriano. 1988 Tapiz, lana e hilo metálico

Juan Soriano (Guadalajara, 1920-Ciudad de México, 2006) fue un artista que sometió la figura a una jubilosa experimentación a lo largo de su carrera. Fue sobre todo en el retrato y en las escenas alegóricas donde transitó de un estilo realista de cierta chispa surrealista, hacia una regocijada abstracción que a partir de la década de 1950 disgregó las formas e hizo explotar el color en una paleta abigarrada y luminosa.

No es casual que encontrara mayor cercanía afectiva y de ideas entre las mujeres de su época. La amistad que sostuvo con María Izquierdo y Lola Álvarez Bravo —quienes lo descubrieron en su primera exposición en el Museo Regional de Guadalajara en 1934— lo animó a trasladarse a la capital del país, donde el aprendizaje transitaba del taller a los cafés y las tertulias, en complicidad con el grupo de intelectuales conocidos hoy como los Contemporáneos.

Soriano abrazó a la modernidad desde la tradición, como lo detalla el primer núcleo de la exposición Juan Soriano. 1920-2006, compuesto por obras realizadas entre 1934 y 1946. El artista recurría entonces en sus retratos y autorretratos a formas clásicas dispuestas esquemáticamente y a procederes de la pintura occidental, en especial del Renacimiento italiano, con pormenores de inspiración fantástica o mitológica.

Más tarde, después de haber residido tres años en Roma (1951-53), Soriano incursionó en el diseño de escenografías y vestuarios para el festival Poesía en Voz Alta (1956), donde colaboró con Juan José Arreola y Octavio Paz. Esto le permitió experimentar con el color y la geometría de las formas y distanciarse de manera paulatina de la figuración.

Individualista y mundano a la vez, Juan Soriano nunca perteneció a grupos ni a corrientes artísticas. Fue una rara avis de la plástica mexicana que Carlos Monsiváis describió como alguien que “estaba lleno de ideas confusas y delirantes, y pintaba con ojos turbios y desvelados”, refiriéndose al tono intimista de una obra que suele revelar la libertad creativa, la curiosidad intelectual y la alborozada sensibilidad de su autor.

Naturaleza Muerta con autorretrato, Juan Soriano.  1949 Oleo Sobre Tela.
Naturaleza Muerta con autorretrato, Juan Soriano. 1949
Oleo Sobre Tela.

La muestra Juan Soriano. 1920-2006, presenta en una de sus secciones, un conjunto de obras abstractas realizadas durante los años 1950 y 1960, época en la que Soriano se consolidó como un gran colorista y suscitó así el interés de colegas como Rufino Tamayo. Esta fase de vigorosa experimentación en sus pinturas y esculturas influyó a jóvenes artistas de la Ruptura, entre ellos Rodolfo Nieto y Pedro Coronel, y dejó para la posteridad la serie que Soriano dedicó a Lupe Marín, que metamorfosea a la ex esposa de Diego Rivera en diosa, demonio y arquetipo de todas las mujeres. Así lo resume el documental Juan Soriano (Fecit dixit) (2001) de Arturo Ripstein, que se proyectará en la misma sala de exposición.

Más informes visita la página del museo http://www.museoartemoderno.com

 

*Boletín de Prensa Museo de Arte Moderno.

Nacho López. Fotógrafo de México en el Museo del Palacio de Bellas Artes

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Retrospectiva a 30 años de su fallecimiento.

Concepto curatorial de José Antonio Rodríguez y Alberto Tovalín.

En las salas de la planta baja y el segundo piso del recinto, del 15 de abril al 10 de julio de 2016.

La Secretaría de Cultura presentará en el Museo del Palacio de Bellas Artes la muestra Nacho López. Fotógrafo de México, homenaje que rescata, mediante más de 235 fotografías vintage (impresiones de época hechas por el mismo artista), el trabajo y las aportaciones visuales de Ignacio López Bocanegra, mejor conocido como Nacho López, bajo el concepto curatorial de José Antonio Rodríguez y Alberto Tovalín. La exposición estará abierta a partir del 15 de abril en las salas Justino Fernández, Paul Westheim, David Alfaro Siqueiros, Jorge González Camarena, José Clemente Orozco y Rufino Tamayo.

Esta retrospectiva, a 30 años de su fallecimiento, muestra a López en sus diferentes facetas, desde el fotógrafo dedicado a retratar la ciudad y sus transeúntes, hasta su interés por capturar imágenes del mundo indígena, así como su característico sentido del humor para plasmar de manera clara y tenaz la vida cultural y social del México de mediados del siglo pasado. Asimismo, incluye una de las etapas menos conocidas del artista: la experimental.

En palabras de Miguel Fernández Félix, director del Museo del Palacio de Bellas Artes, “se trata de una vasta selección de obra que integra los múltiples temas en los que Nacho López trabajó y la forma en la que manifestó sus intereses, preocupaciones e inteligencia. Deja ver la modernidad en el México del siglo XX, la vida de la ciudad y sus rostros que, desde la periferia, constituyen una manera de entablar comunicación con nuestro presente”.

 

Yo, el ciudadano (1er. Apartado)

El primer apartado, titulado Yo, el ciudadano, expone la vida en los barrios bajos de la Ciudad de México, la desazón de los relegados y desprotegidos, la cotidianidad, la pobreza y la fe de una comunidad. Entre las fotografías que componen esta selección se encuentran Vecindad en el antiguo Convento de Betlemitas (ca. 1953) y las series Globero (1961), Un día cualquiera en la vida de la ciudad (1958) y Virgen india, Villa de Guadalupe (1953), además del fotopoema Yo, el ciudadano, que despliega no solo su virtuosismo en la fotografía, sino también en las letras.

Páginas visuales, (segunda sección)

Páginas visuales, segunda sección de la muestra, presenta imágenes y series fotográficas publicadas durante su etapa como fotoperiodista en las revistas Mañana y Siempre!, en las que retrató la reacción de las personas ante hechos planeados por él mismo. Entre sus fotorreportajes más notables se encuentran Cuando una mujer guapa parte plaza por Madero (1953) y La Venus se fue de juerga por los barrios bajos (1953).

Tierra y tiempo (Tercera sección)

Por otra parte, Tierra y tiempo revela el compromiso que López tuvo por el universo indígena, al cual concibió como un espacio de enseñanza y aprendizaje. En su obra logró plasmar la convivencia de diversas etnias y sus tradiciones ancestrales. Coras (ca. 1970), Entierro en Villa de Ayala, Morelos (ca. 1970) y Pueblo indígena tzotzil, Altos de Chiapas, Chiapas (ca. 1976) son algunas de las piezas que se aprecian en este núcleo.

Trastocación (Cuarta sección)

Trastocación, cuarto apartado de la exposición, ahonda en las experimentaciones fotográficas realizadas por el artista, en las cuales los objetos, espacios y cuerpos producían una interacción entre sí. Fotomontajes, imágenes abstractas sobre cuerpos y objetos, así como exploraciones técnicas, ocupan esta sección. La serie El mundo de la fantasía (1953), la placa Autorretrato en ciudad (ca. 1960) y diferentes experimentaciones visuales realizadas junto con el escultor mexicano Pedro Cervantes son algunas de las obras que conforman esta selección.

Multidimensionalidad, (quinta sección)

El interés de Nacho López por la danza es expuesto en Multidimensionalidad, quinto núcleo de la muestra, donde se incluyen imágenes de personajes que se vuelven sombras fugaces al ritmo del movimiento capturado por el disparo fotográfico. Entre las series que realizó en esta materia se encuentran las de coreografías como Zapata de Guillermo Arriaga (1953), Redes de José Limón (1951) y La manda de Rosa Reyna (1951), entre otras. Asimismo, se exhiben fotografías de bailarines de gran renombre como Lupe Serrano. Un conjunto de objetos personales como tarjetas de presentación, sellos para fotos y las cámaras que utilizó el artista acompañan este apartado.

Lo cinematográfico, sexta y última sección de la muestra

Finalmente, su producción fílmica se presenta en Lo cinematográfico, última sección de la muestra. Aquí pueden observarse imágenes del artista filmando, así como algunos documentales realizados por él, como Todos somos mexicanos (1958) y Misión de chichimecas (1970), y la cinta experimental Los hombres cultos (1972).

“Nacho López, con sus propuestas visuales, múltiples investigaciones y experimentaciones, se convirtió en un autor total para la fotografía y el arte mexicano”, refirió José Antonio Rodríguez.

Por su parte, Alberto Tovalín apuntó: “No podemos terminar de comprender el panorama de la fotografía mexicana sin tomar en cuenta las aportaciones de Nacho López, que se exhiben en esta muestra retrospectiva de su trabajo”.
El conjunto de obra exhibida proviene de 12 colecciones, entre ellas: el Acervo Documental y Artístico Nacho López, la Fototeca Nacional del Instituto Nacional de Antropología e Historia, la Fototeca Nacho López de la Comisión Nacional para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas, el Museo de Arte Moderno del Instituto Nacional de Bellas Artes, el Museo del Estanquillo y la Colección Carlos Monsiváis.
Nacho López. Fotógrafo de México estará acompañada por una publicación en español ilustrada con imágenes de las obras expuestas, un ensayo curatorial y textos de los especialistas Yessica Contreras, Rebeca Monroy, John Mraz, Pilar López Urreta, Jesse Lerner, Antonio Saborit y Citlalli López Binnqüist, además de cinco textos críticos y reflexivos del propio fotógrafo. El volumen contará con un tiraje de tres mil ejemplares y podrá adquirirse en la tienda del museo, ubicada en la Sala Internacional del recinto.
En el marco de la muestra, y con la finalidad de ampliar la experiencia de los visitantes, el museo presentará un programa de actividades paralelas conformado por pláticas con expertos y visitas guiadas (a las 13:30 y 15:30 de martes a domingo), así como un ciclo de cine en la Cineteca Nacional del 10 al 15 de mayo.

Nacho López. Fotógrafo de México cuenta con diversos apoyos mediáticos creados específicamente para esta muestra, como proyecciones de entrevistas a especialistas y contemporáneos del fotógrafo (Pedro Meyer, Rodrigo Moya, Elsa Medina, Andrés Garay, Jesse Lerner y Alberto Tovalín), un espacio lúdico que recrea su etapa experimental en la fotografía y el montaje de un maniquí en salas que podrá ser intervenido por el público, tal como lo hizo López en su serie La Venus se fue de juerga por los barrios bajos.
La exposición estará abierta a todo público hasta el 10 de julio, de martes a domingo de las 10:00 a las 18:00. Costo: 60 pesos. Entrada gratuita permanente a estudiantes, maestros, mayores de 60 años, menores de 13, discapacitados y pensionados. Entrada libre al público en general los domingos.
Para mayor información, consultar el sitio web del recinto (www.museopalaciodebellasartes.gob.mx), donde se encontrará un micrositio de la muestra con textos e imágenes de obra, así como sus redes sociales, en Twitter e Instagram como @mbellasartes y en Google Plus y Facebook como Museo del Palacio de Bellas Artes. Hashtag: #HomenajeNachoLópez

Exposición “El Color del Amor” de José Luis Cuevas

El Rostro Del Amor Exposición de José Luis Cuevas
El Rostro Del Amor Exposición de José Luis Cuevas

El pasado 3 de marzo se inauguró la exposición “El Color del AMOR” en el museo Jose Luis Cuevas, la cual hace alarde de cada una de sus cualidades como dibujante, grabador, escultor y pintor.
Son 170 obras, casi todas inéditas, con la demostración en cada una, de su maravillosa concepción del arte del siglo XX y del XXI.

Inauguración El Rostro del Amor. Escultura en el patio del museo titulado "La Giganta"
Inauguración El Rostro del Amor. Escultura en el patio del museo titulado “La Giganta”

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El artista plástico no asistió a la inauguración, en su lugar estuvo presente su esposa Beatriz del Carmen Bazán quien dijo que el maestro está perfectamente bien tanto de salud como de ánimo, trabajando a diario en su estudio. José Luis Cuevas cumplió 85 años el pasado 26 de febrero.

José Luis Cuevas es un gran pintor muralista, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano perteneciente a la generación de la ruptura y uno de los representantes del neofigurativismo. El estilo de José Luis Cuevas se destaca por su trabajo con la línea de gran ferocidad gestual, pretendiendo mostrar el alma de los personajes así como la degradación humana en el mundo de la prostitución y despotismo.

A José Luis Cuevas se le atribuye haber bautizado la “Zona Rosa” de la ciudad de México como homenaje a la artista cubano-mexicana Rosa Carmina.

Dirección del museo:
Museo José Luis Cuevas
Academia No. 13 Centro Histórico
C.P. 06060 Delegación Cuauhtémoc. México, D.F.
(entre las calles de Moneda y Guatemala)
Metro Zócalo

Costos:
Entrada al museo: $20.00
50% de descuento a maestros y estudiantes con credencial.
Entrada libre a afiliados al INSEN con credencial.
Domingos entrada libre al público en general.

Mapa

El futuro me pertenece: Nikola Tesla

Nikola Tesla, El futuro me pertenece.
Nikola Tesla, El futuro me pertenece.

La Secretaría de Cultura presenta una magnífica exposición de Nikola Tesla en el Cenart a partir del 9 de marzo y hasta el 12 de junio del 2016. La exposición titulada “Nikola Tesla, el Futuro me pertenece” que muestra a  los visitantes a través de un recorrido por la vida del científico serbo-norteamericano  la vigencia e importancia que siguen teniendo sus inventos y teorías.

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Esta exposición presenta una instalación de realidad aumentada, hecha ex profeso por el Cenart, a 160 años del nacimiento de Tesla

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También como Se realizarán más de 40 actividades paralelas a la exposición. Destaca de la visita de la Tesla Orchestra, por primera vez en México

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tesla5Nikola Tesla nació en 1856 durante una tormenta eléctrica y por ello su madre vaticinó que sería “un hijo de la luz”. Se convirtió en un científico fundamental de la historia del progreso. Sus descubrimientos, inventos, aportaciones y vaticinios permitieron el desarrollo de la civilización eléctrica en la que vivimos. De esto trata la exposición El futuro me pertenece: Nikola Tesla, que inauguró el Centro Nacional de las Artes (Cenart) el pasado 9 de marzo.
Esta exposición tiene algunas novedades con respecto a las que se presentaron en 2014 en Madrid, España, y en 2015 en el Parque Fundidora de Monterrey, México. Por un lado, la instalación de realidad aumentada creada ex profeso por el Centro Multimedia del Cenart, en la que conoceremos el avión de despegue vertical, que sirvió de inspiración para los aviones caza Harrier y Mirage; así como un atractivo y vasto programa de actividades complementarias para dar a conocer la figura de Tesla.

 

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El futuro me pertenece: Nikola Tesla fue organizada en México por la Secretaría de Cultura Federal, a través del Cenart, en colaboración con Canopia. Está integrada por una serie de elementos multimedia e interactivos que llevan al visitante a un recorrido por el espacio y tiempo habitados por Nikola Tesla: del Imperio Austrohúngaro al Nueva York de los primeros rascacielos, de las habitaciones de hotel a los laboratorios, de la fama a la ruina, de la genialidad a la locura y de la soledad a ser un icono de la cultura pop.

 

El título de esta exposición proviene de una frase del propio Tesla:

El presente es de ustedes, pero el futuro, por el que tanto he trabajado, me pertenece”

haciendo referencia a la actualidad de su figura. Gracias a Tesla existen muchas de las tecnologías que utilizamos hoy en día: teléfonos móviles, redes inalámbricas, vehículos que utilizan un motor eléctrico o cualquier electrodoméstico.

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Se mostrará una amplia biografía de Nikola Tesla, contextualizada con los sucesos tanto internacionales como nacionales de su tiempo, enriquecida con un video-mapping sobre su vida y obra. Por ejemplo, cómo Tesla empezó a interesarse por la electricidad cuando tenía sólo tres años de edad, así como su amor por las palomas hasta el final de sus días.
Tesla fue pionero en tecnologías visionarias para su época, como la robótica, los aviones de despegue vertical, las armas teledirigidas, las lámparas de bajo consumo, las energías alternativas o la transmisión inalámbrica de electricidad. Sin embargo, tras morir fue olvidado hasta inicios del siglo XXI, algo incomprensible dada la enorme trascendencia de su legado, comparable al de sus rivales Thomas A. Edison y Guillermo Marconi.’

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En El futuro me pertenece: Nikola Tesla el público podrá adentrarse a una instalación que recrea el interior del laboratorio de Tesla en Colorado Springs, el primero que tuvo fuera de Nueva York. Su sueño era crear un sistema que permitiera transmitir la electricidad de manera inalámbrica y para intentar conseguirlo pidió dinero a su amigo y mecenas John Jacob Astor IV. Con ese dinero construyó este laboratorio donde hizo diversos experimentos, como el de encender bombillas enterradas en el suelo gracias al poder conductor de la corteza terrestre.

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Gracias a los paneles colocados en el interior de esta instalación también se podrán conocer otros de sus inventos, como el motor de inducción, la bobina, la turbina o la corriente alterna, entre otros. Además, a través de un mapa de Nueva York, podremos seguir el rastro del inventor durante sus años en la ciudad, sus laboratorios, sus diferentes oficinas y los diversos hoteles donde residió.

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En un espacio denominado “Salón de la Fama”, se presentan los personajes con los que Tesla convivió, polemizó o hizo amistad, como Mark Twain, que le visitaba con asiduidad en su laboratorio; Thomas Edison, su gran rival.
Tesla Pop es una sección dedicada a mostrar la influencia del científico en la cultura popular: desde un creador de videojuegos norteamericano, una videoartista croata, un director de cine serbio, un coreógrafo holandés e ilustradores mexicanos, hasta ingenieros, raperos, empresarios, cantantes, graffiteros, magos, actores, performanceros, escritores y ecologistas. Tesla se ha convertido en un icono de la cultura pop.
Obsesionado con su trabajo y poco dado a los asuntos mundanos, Tesla tuvo mala suerte en los negocios y perdió el mérito histórico de sus contribuciones a favor de otros inventores más hábiles desde el punto de vista comercial. El nuevo capitalismo surgido de la Segunda Revolución Industrial desconfió de aquél que no se había hecho rico con sus inventos y lo relegó a la soledad de una habitación del hotel New Yorker, donde murió como un viejo que mascullaba locas ideas sobre un futuro inalámbrico.

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De acuerdo con el rigor científico que Nikola Tesla defendió en cada uno de sus proyectos, esta exposición se ha desarrollado bajo criterios de diseño y producción sostenibles, con el objetivo de dejar el menor impacto medioambiental posible.
La exposición, curada por los españoles Miguel Ángel Delgado y María Santoyo, contó con la asesoría del físico teórico Miguel Alcubierre Moya, director del Instituto de Ciencias Nucleares de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), quien es reconocido por haber creado un modelo matemático para viajar más rápido que la luz.
Con motivo de esta exposición, la editorial Turner ha publicado Teslapedia, que incluye una app de realidad aumentada cuyo diseño original estuvo a cargo de Unit Experimental con el apoyo de Fundación Telefónica. El público podrá disfrutar de la realidad aumentada y de los contenidos adicionales descargándose gratuitamente la aplicación en Apple Store y Google Play.

Actividades paralelas

Para hacer de esta muestra una experiencia más completa, el Cenart ha diseñado un amplio programa de actividades paralelas, tanto académicas como artísticas –con la participación de especialistas y agrupaciones nacionales e internacionales– y que incluye la realización de tres conferencias magistrales, tres talleres, dos presentaciones de un performance, una proyección continua de corto documental, un concierto, 16 funciones de teatro, 10 proyecciones de cine, así como alrededor de 90 visitas guiadas para grupos escolares y público en general.

Del 19 de marzo al 2 de junio de 2016, se llevará a cabo el ciclo de cine que proyectará las cintas
Coffee & Cigarettes (2003)
El secreto de Nikola Tesla (1980)
El gran truco (2006);
Tesla, el maestro del rayo (2000)
Metrópolis (1927)
Blade Runner, edición definitiva (2007)
El planeta prohibido (1956)
I.A. Inteligencia Artificial (2001)
Yo, robot (2004)
Ex-máquina (2015)
El 10 de marzo, en el Aula Magna José Vasconcelos, el doctor Micho Durdevich, investigador del Instituto de Matemáticas de la UNAM, impartirá la conferencia titulada “Teoría cuántica y pensamiento de Nikola Tesla”, en la que platicará sobre un espectro de (en general poco conocidas) ideas de Tesla, que tienen fuerte enlace con la teoría cuántica.
Entre las actividades académicas también se ofrecerá la conferencia magistral del doctor Sebastian White, físico investigador-fundador del CERN (Consejo Europeo de Investigación Nuclear), quien ha colaborado en algunos documentales sobre Nikola Tesla. Esta conferencia cuenta con el apoyo del Instituto de Ciencias Nucleares de la UNAM.
Destaca la presentación, el 12 de marzo en la Plaza de la Música, de la Tesla Orchestra, conformada por ingenieros y artistas que presentan un espectáculo basado en principios de electromagnetismo, vinculados con las investigaciones de Tesla; principalmente trabajan con vistosos rayos producidos por bobinas electromagnéticas y manipulados en la escena por un personaje al ritmo de diversas selecciones de música pop.
Ese mismo día se presentará Superstudio, un espectáculo multimedia que envuelve a dos Dj’s en un cubo de leds programados y acoplados con las mezclas de su repertorio. Superstudio forma parte de un selecto grupo de Dj’s que ha compartido la escena con importantes figuras mundiales en el ámbito de la música electrónica, tales como Phillip Gorbachev, de Rusia; Joakim, de Francia, y Superpitcher, de Alemania, entre otros.
El 16 y 17 de abril, el Teatro de las Artes recibirá al creador británico Robbie Thomson, miembro de Cryptic (casa de arte internacionalmente reconocida por producir imaginativas e innovadoras experiencias artísticas), quien ha creado el espectáculo XFRMR (Transformer), un enérgico performance en el que utiliza una Bobina Tesla como instrumento.
Con el apoyo de The Anglo Mexican Foundation, el Cenart trae a México este performance que explora, musicalmente, el potencial sonoro de la Bobina Tesla como un instrumento musical y la transferencia directa de la electricidad al sonido. XFRMR transita entre las fases de un paisaje sonoro abstracto y ritmos de un bajo, con la Bobina Tesla tocando las partes principales y proporcionando estallidos de percusión eléctrica.
También se llevará a cabo el rally-teatro “La guerra de las corrientes”; el Centro Multimedia del Cenart ofrecerá un taller en el que se hará un breve análisis sobre el diseño de la Bobina Tesla y se construirá una pequeña reproducción capaz de encender una lámpara.

Del 28 de marzo al 1 de abril, se impartirá un taller sobre realidad aumentada, cuyo objetivo es presentar un panorama general del desarrollo de aplicaciones con esta técnica, así como crear una aplicación interactiva en la que se componga una escena de realidad mixta, sobreponiendo una imagen 3D generada por computadora, a una imagen real.
El Foro de las Artes recibirá la obra teatral Los sueños de Tesla, Mentalismo y Guerra Fría, de Edrián Ilusionista, del 20 de abril al 19 de mayo de 2016, con funciones los miércoles y jueves, a las 20:00 horas.

El público interesado podrá participar en el programa de visitas guiadas tanto para adultos como para niños, y también tendrá la oportunidad de conocer un Auto Tesla, fabricado por Tesla Motors, el cual cuenta con un avanzado sistema de propulsión eléctrica y que estará exhibido durante algunos días de la muestra, como en la inauguración.

La programación completa de todas las actividades complementarias se podrá consultar en el micro sitio web creado para esta exposición (tesla.cenart.gob.mx), donde además de encontrar biografía, fotografías, datos curiosos, teorías e inventos de Tesla, el público podrá entretenerse y conocer más de la vida del científico a través de un videojuego creado por el Cenart.
La exposición El futuro me pertenece: Nikola Tesla será inaugurada el 9 de marzo, a las 19:30 horas en la Galería Central del Cenart y permanecerá abierta hasta el 12 de junio, de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas, con entrada libre. Además de la Galería Central ocupará las galerías Espacio Alternativo y Arte Binario.
El Centro Nacional de las Artes está ubicado en Río Churubusco 79, esq. Calzada de Tlalpan, col. Country Club, cerca de las estaciones del Metro General Anaya y Ermita. Estacionamiento gratuito.