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la exposición “Andy Warhol Estrella Oscura” llegará al museo Jumex!

Por fin se han confirmado los rumores y los detalles de la exposición de Andy Warhol titulada “Andy Warhol Estrella Oscura“en el museo Jumex. De acuerdo con el comunicado de prensa del museo, la exhibición se presentará de el 2 de junio al 17 de septiembre del 2017.

La muestra incluye sus famosas pinturas de productos de consumo, series serigráficas de retratos de estrellas de cine, personajes famosos y desastres.

El curador invitado Douglas que se hizo especial énfasis en el contexto histórico en el que Andy Warhol realizó sus primeros trabajos, como  las promesas utópicas, el lado oscuro de la cultura mediática y de consumo de la posguerra.

Julieta González, directora artística del Museo Jumex, comenta: “En una época en que los principios mismos que sostienen la democracia en los Estados Unidos parecen estar bajo amenaza a raíz de los resultados de las últimas elecciones presidenciales, la temática que subyace a la exposición Andy Warhol. Estrella oscura resulta extraordinariamente oportuna”.

Fogle explica que desde la década de los sesenta, Warhol fue de los primeros artistas pop en observar “el vínculo entre el estrellato y los oscuros impulsos caníbales de la incipiente cultura mediática”. En el fondo de las repeticiones en serie de los productos y los personajes utilizados por Warhol, “hay un reconocimiento de una cultura en la que la adoración se traduce en una especie de consumo. Devoramos y descartamos a los íconos que amamos a través de un ambiente mediático”.

Añade: “para Warhol cualquier retrato de la experiencia estadounidense estaba incompleto si no se examinaba su lado oscuro. […] el mismo Warhol parecería haber nacido bajo una estrella oscura. En sus pinturas se inscriben augurios del futuro destino del artista a manos de la fascinación de los medios por la fama y la tragedia”.

Andy Warhol. Estrella oscura se presentará en todas las salas del Museo Jumex.

CATÁLOGO
El catálogo de la exposición Andy Warhol. Estrella oscura incluirá diversos ensayos comisionados especialmente para la publicación, como la revisión que hace Douglas Fogle sobre la promesa utópica y el lado oscuro del “siglo americano” – término acuñado por Henry Luce – en la obra temprana de Warhol, la exploración de Geoff Dyer de la idea del “desastre” y el análisis de Kenneth Brummel sobre el problema de “Elvis”. Julieta González analiza la relación entre el “siglo americano” de Luce y la obra de Warhol desde la perspectiva de América Latina. Otra característica única del catálogo será la inclusión de una amplia variedad de reediciones de textos históricos importantes pero poco conocidos, como el ensayo “Andy y Andy, los gemelos Warhol: Tema y variaciones” de Stuart Morgan, publicado originalmente en la edición número 12 de la revista Parkett, en 1987.

Además, el catálogo incorpora la voz de artistas cuya obra, de alguna u otra manera, se ha visto influida por Warhol. Esto incluye reediciones de ensayos como “Desprecio y adoración” de Barbara Kruger, publicado en Village Voice el 5 de mayo de 1987; y “Guns and Poses” de Richard Prince, además de textos nuevos escritos por artistas como Kara Walker, Abraham Cruzvillegas y Kerry James Marshall.

Este catálogo es una coedición entre DelMonico Books-Prestel y el Museo Jumex.

Ulises Carrión en el Museo Jumex

Dónde: Museo Jumex

El pasado 9 de febrero del 2007 el Museo Jumex inauguró la exposición  “Ulises Carrión: Querido Lector, no lea”  una retrospectiva de la obra del artista Ulises Carrión Originario de Tuxtla, Veracruz, Carrión fue un artista que vivió en varios países de Europa hasta establecer su residencia en Amsterdam, Holanda donde vivió hasta el año que fallece en 1989.

Su aportación como artista en este país fue muy prolífera y adelantada a su tiempo. Sobretodo por su interés de prestar más atención a la forma que al contenido en los libros; como se nos muestra en la exhibición “Querido lector, no lea” donde se expone el trabajo formalístico y que el mismo Carrión nos da muestra de sus ideas en su manifiesto “el arte nuevo de hacer libros“(1975) el cual ha influido en muchos artistas visuales desde entonces.

Fue contemporáneo de Octavio Paz con quien sostuvo un intercambio de cartas que después fueron publicadas en la revista Plural. dichas misivas se encuentran en la entrada de la exposición, junto con copias de la revista ya publicada.

¿Que vale la pena ver de la exposición?

Entre otras piezas y libros que puedes hojear para ver, está un pequeño cortometraje titulado “A Book Film” donde se puede ver las manos de alguien que está desbaratando un libro para después volver a reconstruirlo.

Un mockumentary muy interesante llamado algo así como el error de Aristóteles, en donde una serie de personajes, admiradores de María Callas señalan que fue un error que el magnate dejara a María Callas por Jackie. Junto con otras piezas experimentales en video.

Ulises Carrión también hace una reflexión sobre la fama y sobretodo la fama localista, es así como lleva a Amsterdam a Lilia Prado y organiza un festival para anunciarla como una super star. Carrión estaba explorando la idea de qué pasa cuando sacas a una estrella de su contexto y la pones en un lugar donde nadie la reconoce. Lo que es ser reconocido en una cultura, y no en otra.

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“Other Books and so” fue el nombre de la librería que estableció Ulises Carrión en Amsterdam donde se vendían libros con una propuesta diferente en cuanto a la forma.

 

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Stanley Kubrick La Exposición

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Después de dos largos años de espera desde que estuvo en el museo MARCO de Monterrey, por fin llega a la Ciudad de México la exposición de Stanley Kubrick. Su sede no es en ningún museo sino en la nueva galería de la Cineteca Nacional. La muestra sin duda, apela a la mercadotecnia de la nostalgia. Que qué me parece a mí?  Pues tiene sus puntos interesantes sobre todo por los batallones de kubrickmaniáticos que asistirán a la Expo, por ejemplo todos los props y partes de los sets de sus películas más recocidas y admiradas como 2001 A Space Odyssey(1968) o The Shining(1980). De la primera tenemos el traje espacial, el bebé espacial del final, la botarga de los eslabones perdidos y varias cosas más. Por cierto, la Expo abarca los 4 pisos de la galería de la cineteca y cuesta 65 pesos la entrada y 45 con descuento. Es la primera vez que la galería de la cineteca cobra la entrada pero hay que entender que es un paquete creado de esta manera desde su inicio.

En el primer piso están las secciones que pertenecen a las primeras obras de Kubrick, quien fue fotógrafo y comenzó haciendo cortometrajes. Después su primer largo metraje y de ahí sube uno hasta el cuarto piso donde se encuentra su primer sección/película Spartacus, bajando a Lolita, seguida por 2001 A Space Oddysey, seguida por Dr. Strangelove y terminando en el primer piso de nuevo con A clockwork Orange, The Shining, Full Metal Jacket(1987) Barry Lyndon(1975) sin olvidar su última película con Tom Cruise y Nicole Kidman Eyes Wide Shut (1999). A la salida unos cuantos proyectos que ya no pudo realizar como A.I. Quien terminaría haciéndola Steven Spielberg, Napoleón y  las cuales nunca llegaron a realizarse.

Prop original de 2001 A Space Odyssey
Prop original de 2001 A Space Odyssey (1968)
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Vestuario original de las gemelas de The Shining(1980)

 

Tanto 2001 A Space Oddysey como The Shining junto con A clockwork Orange son por las razones que vale la pena la exposición. El precio es razonable y por las horas que pasa uno adentro y la cantidad de material por ver bien vale la pena pasar una mañana o tarde en el lugar. La muestra estará hasta mayo pero es conveniente no esperar hasta el último momento. Serán los mejores 65 o 45 pesos mejor gastados. Por cierto, para comprar boleto de entrada con descuento sólo lo aplican en taquilla y no en el website.

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Mannequís originales de A Clockwork Orange (1971)

Informes

Stanley Kubrick: La exposición

Duración: 1 de diciembre de 2016 a 29 de mayo de 2017

Sede: La Galería de la Cineteca Nacional

Precio: $65 general y $45 estudiantes, menores de 25 años y tercera edad. Para satisfacer apropiadamente la demanda de entradas tanto en internet como en taquilla, están a la venta 150 boletos por hora (100 disponibles en internet y 50 en taquilla).

Horarios: Martes a domingo de 12:00 a 21:00 horas (último acceso a las 20:00 horas).
Lunes, cerrado. 24, 25 y 31 de diciembre, cerrado.

Dirección: Cineteca Nacional. Av. México Coyoacán #389, Col. Xoco, Del. Benito Juárez.
Tel. 4155 1200.

El París de Touluse Lautrec

El París de Toulouse Lautrec en el Museo del Palacio de Bellas Artes.

Del 11 de Agosto – a – 27 de noviembre.
Salas Justino Fernández y Paul Westheim (Primer Piso)

El París de Toulouse Lautrec. Impresos y carteles del Moma. Exposición itinerante que consta de más de cien obras pertenecientes a la colección del Museo de Arte Cotemporáneo (MoMA) llega al Museo del Palacio de Bellas Artes. La exhibición se encuentra en las salas Justino Fernández y Paul Westheim (en el primer piso).

Llena de litografías originales así como dibujos y grabados que lo hicieron famoso, El París de Toulouse Lautrec es una de las exhibiciones más completas que podrás ver sobre el famoso artista en México. Una exhibición imperdible para todos aquellos que gustan de las obras de Lautrec, así como para artistas visuales y diseñadores gráficos.

La exposición está dividida en 6 nucleos que comprenden:
1.Vida y Litografía. Contextualiza mediante fotos y carteles, los lugares donde Toulouse Lautrec se desarrolló como impresor. Su tránsito por Montmartre, barrio de la periferia de París en el que solían refugiarse criminales, prostitutas, artistas y bohemios. En esta sección resalta su producción Aristide Bruant en su Cabaret (1893).
2. El Café concert. Un recuento en sus imágenes de sus visitas nocturnas a los teatros, circos, óperas y café-concerts. Al dar fama a estos lugares y sus artistas por medio de sus carteles, también le permitió a Lautrec por consiguiente tener un mayor éxito. En esta sección podrás observar: Moulin Rouge, La Goulue (1891) cartel que detonó a la fama al cabaret, así como La Payasa en el Moulin Rouge (1897)

La Payasa en el Moulin Rouge Tolouse Lautrec Museum of Modern Art, New York.
La Payasa en el Moulin Rouge
Tolouse Lautrec
Museum of Modern Art, New York.

3. En el escenario. Recuento de las visiones que tuvo el artista por sus personajes dentro y fuera del espectáculo. Sobresalen sus grabados en madera japonesa del siglo XVIII, de ahí su adopción por adopción de paletas de colores secundarios, diagonales, aglutinadas, espacios aplanados y líneas simples características del ukiyo-e, así coo su firma realizada con estilo japonés. En esta sección podrás ver: Mademoiselle Marcelle Lender de pie (1895), Jane Avril (1899) y Divan Japonais (1893).

Jane Avril 1893, Toulouse Lautrec
Jane Avril 1893, Toulouse Lautrec

4. Femmes, Fills et Elles. Retratos de empleadas, cortesanas, artistas y hasta prostitutas a las que pagaba para que modelaran para él. Destacan de esta sección: Confetti (1894), Mujer en la tina (1896) y piezas correspondientes al portafolio Elles.
5. Los placeres de París. Piezas que Toulouse Lautrec hizo con temática fuera de la vida parisina, amigos o musas como Reina de la Alegría (1892), Irish American Bar, Rue Royale (1895) y litografías de caballos.
6. Círculos creativos. Resalta las relaciones de Lautrec con autores, editores, compositores y dramaturgos, quienes le encargaron la promoción de su obra, ilustró partituras musicales, colaboró para la prensa popular y diseñó los programas para varias compañías de teatro. La Revue Blanche (1895), Napoleón (1895), y la ilustración para la portada de la revista Babilonia alemana de Victor Joze (1894) son algunas de las obras de la última sección.

Juan Soriano en el MAM

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Del 9 de abril al 31 de julio de 2016

Ella pasado 9 de abril se inauguró la exposición retrospectiva de Juan Soriano en el Museo de Arte Moderno. Organizada por la Secretaría de Cultura a través del MAM y Curada por Octavio Avendaño, la exposición titulada “Juan Soriano. 1920-2006” está compuesta por 46 obras en las que se incluyen óleos, acuarelas, tintas, tapices, cerámicas y bronces, así como documentos y correspondencia personal. La retrospectiva tiene como propósito conmemorar el aniversario luctuoso del artista.

 

Juan Soriano semblanza*.
La Victoriosa, Juan Soriano
La Victoriosa, Juan Soriano. 1988 Tapiz, lana e hilo metálico

Juan Soriano (Guadalajara, 1920-Ciudad de México, 2006) fue un artista que sometió la figura a una jubilosa experimentación a lo largo de su carrera. Fue sobre todo en el retrato y en las escenas alegóricas donde transitó de un estilo realista de cierta chispa surrealista, hacia una regocijada abstracción que a partir de la década de 1950 disgregó las formas e hizo explotar el color en una paleta abigarrada y luminosa.

No es casual que encontrara mayor cercanía afectiva y de ideas entre las mujeres de su época. La amistad que sostuvo con María Izquierdo y Lola Álvarez Bravo —quienes lo descubrieron en su primera exposición en el Museo Regional de Guadalajara en 1934— lo animó a trasladarse a la capital del país, donde el aprendizaje transitaba del taller a los cafés y las tertulias, en complicidad con el grupo de intelectuales conocidos hoy como los Contemporáneos.

Soriano abrazó a la modernidad desde la tradición, como lo detalla el primer núcleo de la exposición Juan Soriano. 1920-2006, compuesto por obras realizadas entre 1934 y 1946. El artista recurría entonces en sus retratos y autorretratos a formas clásicas dispuestas esquemáticamente y a procederes de la pintura occidental, en especial del Renacimiento italiano, con pormenores de inspiración fantástica o mitológica.

Más tarde, después de haber residido tres años en Roma (1951-53), Soriano incursionó en el diseño de escenografías y vestuarios para el festival Poesía en Voz Alta (1956), donde colaboró con Juan José Arreola y Octavio Paz. Esto le permitió experimentar con el color y la geometría de las formas y distanciarse de manera paulatina de la figuración.

Individualista y mundano a la vez, Juan Soriano nunca perteneció a grupos ni a corrientes artísticas. Fue una rara avis de la plástica mexicana que Carlos Monsiváis describió como alguien que “estaba lleno de ideas confusas y delirantes, y pintaba con ojos turbios y desvelados”, refiriéndose al tono intimista de una obra que suele revelar la libertad creativa, la curiosidad intelectual y la alborozada sensibilidad de su autor.

Naturaleza Muerta con autorretrato, Juan Soriano.  1949 Oleo Sobre Tela.
Naturaleza Muerta con autorretrato, Juan Soriano. 1949
Oleo Sobre Tela.

La muestra Juan Soriano. 1920-2006, presenta en una de sus secciones, un conjunto de obras abstractas realizadas durante los años 1950 y 1960, época en la que Soriano se consolidó como un gran colorista y suscitó así el interés de colegas como Rufino Tamayo. Esta fase de vigorosa experimentación en sus pinturas y esculturas influyó a jóvenes artistas de la Ruptura, entre ellos Rodolfo Nieto y Pedro Coronel, y dejó para la posteridad la serie que Soriano dedicó a Lupe Marín, que metamorfosea a la ex esposa de Diego Rivera en diosa, demonio y arquetipo de todas las mujeres. Así lo resume el documental Juan Soriano (Fecit dixit) (2001) de Arturo Ripstein, que se proyectará en la misma sala de exposición.

Más informes visita la página del museo http://www.museoartemoderno.com

 

*Boletín de Prensa Museo de Arte Moderno.

Exposición “El Color del Amor” de José Luis Cuevas

El Rostro Del Amor Exposición de José Luis Cuevas
El Rostro Del Amor Exposición de José Luis Cuevas

El pasado 3 de marzo se inauguró la exposición “El Color del AMOR” en el museo Jose Luis Cuevas, la cual hace alarde de cada una de sus cualidades como dibujante, grabador, escultor y pintor.
Son 170 obras, casi todas inéditas, con la demostración en cada una, de su maravillosa concepción del arte del siglo XX y del XXI.

Inauguración El Rostro del Amor. Escultura en el patio del museo titulado "La Giganta"
Inauguración El Rostro del Amor. Escultura en el patio del museo titulado “La Giganta”

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El artista plástico no asistió a la inauguración, en su lugar estuvo presente su esposa Beatriz del Carmen Bazán quien dijo que el maestro está perfectamente bien tanto de salud como de ánimo, trabajando a diario en su estudio. José Luis Cuevas cumplió 85 años el pasado 26 de febrero.

José Luis Cuevas es un gran pintor muralista, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano perteneciente a la generación de la ruptura y uno de los representantes del neofigurativismo. El estilo de José Luis Cuevas se destaca por su trabajo con la línea de gran ferocidad gestual, pretendiendo mostrar el alma de los personajes así como la degradación humana en el mundo de la prostitución y despotismo.

A José Luis Cuevas se le atribuye haber bautizado la “Zona Rosa” de la ciudad de México como homenaje a la artista cubano-mexicana Rosa Carmina.

Dirección del museo:
Museo José Luis Cuevas
Academia No. 13 Centro Histórico
C.P. 06060 Delegación Cuauhtémoc. México, D.F.
(entre las calles de Moneda y Guatemala)
Metro Zócalo

Costos:
Entrada al museo: $20.00
50% de descuento a maestros y estudiantes con credencial.
Entrada libre a afiliados al INSEN con credencial.
Domingos entrada libre al público en general.

Mapa

Tres arquetipos, tres naturalezas. La estética grecorromana de Bernard de Montfaucon

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Curaduría de Marco Arce

-Muestra de la relación entre divinidad, humanidad y naturaleza

-Se presenta en la Sala Manuel Tolsá del Museo Nacional de San Carlos a partir del 25 de febrero hasta el 29 de mayo en el Museo Nacional de San Carlos, ubicado en Puente de Alvarado 50, colonia Tabacalera.

-La museografía recrea la forma circular del templo de Vesta

Con la finalidad de abordar las complejas relaciones que se dan entre divinidad, humanidad y naturaleza, Marco Arce tomó tres personajes femeninos grecorromanos para acercar al público, a grandes rasgos, al complejo sistema de signos y elementos que esa cultura utilizó para explicar el mundo que nos rodea.

De esta forma, en la muestra Tres arquetipos, tres naturalezas. La estética grecorromana de Bernard de Montfaucon, que se inauguró el pasado jueves 25 de febrero en el Museo Nacional de San Carlos, conviven Vesta, Proserpina y Leda, personajes mitológicos que ayudan a comprender la producción cultural de una comunidad íntimamente entrelazada por un complejo tejido de relaciones interconectadas.

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Marco Arce inició este proyecto al revisar el acervo gráfico del Museo Nacional de San Carlos, con especial énfasis en las 72 láminas extraídas de L’Antiquité expliquée et représentée en figures (15 volúmenes, Paris, 1719-1733) del monje benedictino Bernard de Montfaucon (1655-1741), las cuales representan poco más del diez por ciento del total de grabados que custodia el recinto.

Se trata de un importantísimo documento que da cuenta de la primera gran enciclopedia del arte antiguo (griego y romano principalmente), para la cual se imprimieron más de tres mil placas de grabados.

La religión de Karl Audran (1594-1674)
La religión de Karl Audran (1594-1674)

Probablemente, explica el artista, la parte más importante en la curaduría fue encontrar, dentro de la propia colección del museo –como la obra de Juan Cordero La princesa romana vestida de Vestal, que forma parte de la exhibición– y en otras instituciones, las piezas que pudieran entablar un diálogo con los grabados mismos, por lo que acudió a diversos acervos, como el de la Academia de San Carlos de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y la colección de la Facultad de Arquitectura de la UNAM.

La Princesa romana en traje de vestal de Juan Cordero.
La Princesa romana en traje de vestal de Juan Cordero.

Por otro lado, se planteó una atrevida propuesta museográfica para hacer que, en la medida de lo posible, los visitantes, al recorrer el espacio de la Sala Manuel Tolsá del recinto, tengan una experiencia que complemente algunos de los temas que giran alrededor de cada una de las deidades o personajes de la exposición. Así, se transformó la sala en un círculo que recrea el templo de Vesta.

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Una de las grandes divinidades romanas era Vesta, la diosa del fuego doméstico. Su culto desapareció ya bien entrado el cristianismo. El templo de Vesta es de forma circular, lo cual lo identificaba con la Tierra, y al carecer de ángulos propaga una libre expansión hacia cualquier lado.

El trono de Vesta era el inmutable centro del cosmos y representaba lo fijo e inamovible. En él permanecía el fuego sagrado que jamás debía apagarse, para lo cual seis sacerdotisas –seleccionadas desde niñas dentro de las familias más poderosas de Roma, y quienes debían permanecer vírgenes durante todo el período de sacerdocio, que duraba 30 años– tenían la obligación de cuidar la llama eterna.

Venus. Autor desconocido
Venus. Autor desconocido

Proserpina, hija de Ceres, diosa de los cereales, y de Júpiter (Zeus en la mitología griega), fue secuestrada mientras recogía flores por el dios del inframundo, por lo que estaría destinada a ser la reina del inframundo.

Pero los lamentos de su madre hicieron que Júpiter mandara a Mercurio a interceder ante Plutón, y se logró que Proserpina regresara a ella, quien la recibió llenando de flores los campos. Proserpina habitará alternativamente dos niveles de la naturaleza: la superficie fértil y otra subterránea y obscura. Encarnará, pues, la temporalidad cambiante y cíclica de la naturaleza.

Seducida por Zeus –quien para ello tomó la forma de un cisne–, Leda, esposa del rey de Esparta Tindáreo, dio a luz a cuatro hijos: Helena y Pólux, inmortales e hijos de Zeus, y Clitemnestra y Cástor, mortales e hijos de Tindáreo. La naturaleza misma del cisne resulta fascinante al ser un ave acuática, ya que une elementos contradictorios: aire y agua.

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La conjunción de lo divino con el reino animal también resulta en una serie de contradicciones, las cuales el ser humano heredará en la persona de Helena, mujer tan hermosa como fatídica, al causar, o ser la excusa, de la guerra de Troya.
Siguiendo la vocación del Museo Nacional de San Carlos se presenta este proyecto que aborda Marco Arce -miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte- , cuya inclinación artística ha sido exaltar los valores clásicos y relacionarlos con el arte contemporáneo.
Tres arquetipos, tres naturalezas. La estética grecorromana de Bernard de Montfaucon permanecerá hasta el 29 de mayo en el Museo Nacional de San Carlos, ubicado en Puente de Alvarado 50, colonia Tabacalera.